Shadow Man

Tim Berne’s Snakeoil

Ecm

Per il sassofonista Tim Berne arriva il secondo album con il quartetto Snakeoil, formato da Oscar Noriega al clarinetto e al clarinetto basso, Matt Mitchell al piano acustico, piano tuck e piano Wurlitzer e Ches Smith alla batteria, percussioni e vibrafono. Stessa formazione  del primo lavoro che ha raccolto ampi consensi dalla critica ed stato recensito a suo tempo, favorevolmente, anche in questo blog. Potete leggerne la recensione qui. Un’altra tappa di un viaggio che si fa sempre più avventuroso e ricco di sorprese per questo straordinario quartetto, dotato dell’esclusiva capacità del leader e dei suoi compagni d’avventura nel saper dosare, in un modo assolutamente unico, le parti scritte a quelle improvvisate e nel sapere inserire ed alternare momenti intensi e nervosi ad altri rarefatti. Anche questa volta viene a galla la bontà della scrittura compositiva del leader che firma in totale solitudine quattro dei sei brani inclusi nel cd, mentre per un altro ne condivide la genesi con Marc Ducret. La selezione si completa con il reprise di un brano del grande Paul Motian, “Psalm” riproposto in una versione introspettiva e densa di umori struggenti. Un brano scelto per omaggiare il ricordo di un musicista eccezionale che ha lasciato un vuoto indelebile nella storia del jazz contemporaneo. Scrivevo prima delle qualità eccelse delle composizioni di Berne che trovano ampi riscontri nell’interpretazione dell' intero quartetto capace di  costruire un mosaico variegato e imprevedibile soprattutto nei brani la cui durata ne determina, per gli stessi, la caratteristica di vere e proprie suite. Mi riferisco al secondo terzetto della selezione,  composta da brani la cui durata va dai quasi 23 minuti di “Oc/Dc” ai circa sedici di “Cornered (Duck)”. La prima si apre con un riff dal ritmo sostenuto, la seconda "Socket" con i fraseggi fluidi e nervosi del pianoforte di Michell, ma ben presto, in entrambi i casi, si susseguono momenti eterogenei come dialoghi a due, soli, interludi, crescendi vorticosi in una musicale e temporale continuità che lascia totalmente stupefatti.  La band si contraddistingua per una energia propulsiva incontenibile contrapposta ad una metamorfosi introspettiva che appare dietro l’angolo e si consuma con una naturalezza espressiva di grande fascino. Berne include prima nella scrittura e poi nella performance, una visione a 360 gradi dell’universo musicale, riservando  per se e per i suoi musicisti ampi spazi per l'improvvisazione creativa e interattiva. Il tutto appare strutturato e cadenzato con precisione matematica e nel contempo metabolizzato e condiviso anche dagli altri componenti il quartetto. Musicisti dotati come il leader di grande esuberante inventiva, a cominciare da Michell che affianca al pianoforte tradizionale le sfaccettature intriganti del piano preparato (piano tack) e del piano elettrico. E che dire di Noriega eclettico e ingegnoso con i suoi clarinetti, spesso incontenibile riversa con costanza, in alcuni passaggi, umori cameristici nel layout del gruppo. E non posso non citare Smith oggi tra i batteristi più fantasiosi, con un bagaglio tecnico da far invidia. Cos’altro aggiungere se non che Snakoil è un’altra lucida intuizione di uno straordinario musicista come Tim Berne.

Giuseppe Mavilla

Transylvanian Concert

Lucian Ban / Mat Manieri

Ecm
 

Un newyorkese doc, Mat Manieri, e uno da adozione perché rumeno d’origine, Lucian Ban. Insieme, in concerto, il 5 giugno del 2011, al Culture Palace di Targu Mures in Transilvania. Due musicisti eterogenei per estrazione musicale. Il primo, figlio del sassofonita Joe Manieri è un esponente di punta dell’avanguardia newyorkese, suona il violino e la viola e vanta frequentazioni prestigiose nonché una sostanziosa discografia come leader e come sideman. Lucian Ban è invece un pianista di estrazione classica che di recente ha omaggiato il suo famoso connazionale George Enesco con un album di reintepretazione, in chiave jazz, di alcune composizioni di quest’ultimo circondandosi per l’occasioni di alcuni jazzisti come Ralph Alessi, John Hebért ed altri. Di questa incisione potete leggerne qui la recensione. Il concerto in Transilvania, riproposto in questo cd, ci presenta il duo alle prese con sei composizioni originali, una di Manieri, quattro di Ban, una scritta a quattro mani e il riarrangiamento di un brano tradizionale quale è  “Nobody Knows The Troubles I’ve Seen”. L’album è tra i lavori più suggestivi e intriganti di questi ultimi mesi ed evidenzia il pianismo di Ban denso di riferimenti classici, ma aperto a fraseggi ritmici prettamente jazzistici così come sempre puntale e opportuno nel contrappuntare i vorticosi percorsi della viola di Manieri. Quest’ultimo riesce magnificamente a dare un’ariosità lirica al suo strumento a corde e nel contempo non disdegna di variarne spesso la timbrica. La sua espressività è a volte struggente specialmente se accostata al fraseggio lirico del pianoforte di Ban. La complicità è totale fra i due protagonisti già a partire dalla prima traccia “Not That Kind of Blues” un blues celato in vari momenti del brano tra la struttura ballad del brano stesso.  E poi la successiva “Harlem Bliss” che si consuma tra umori struggenti in un ambient che richiama la tradizione musicale dell’europa dell’est. E ancora da citare la viscerale emozionalità della reinterpretazione di “Nobody Knows The Troubles I’ve Seen” e i toni più marcatamente jazz di “Darn”. Ci saranno giorni freddi e piovosi in questa stagione che avanza e apre le porte al duro inverno e allora lasciatevi accarezzare e godete delle delicate e intense emozioni che quest’opera può regalarvi.

 Giuseppe Mavilla

Arc Trio

Mario Pavone

Playscape

E’ il 1° febbraio 2013 quando il contrabbassista Mario Pavone riunisce il suo trio con Craig Taborn al pianoforte e Gerard Cleaver alla batteria. L’appuntamento si consuma al Cornelia Street Cafe di New York  e da quella session ecco  il relativo cd, che in questi giorni ascolto frequentemente dal mio player di casa o dal mio dispositivo mobile. Produzione superlativa che celebra la vitalità e la profonda connessione che i tre musicisti  operano con metodiche e dinamiche ritmiche propriamente afroamericane.  Ci si trova in qualche modo di fronte a  dei puristi del verbo jazz  che danno vita ad una performance vissuta con intensa partecipazione da tutto il combo. Arc Trio traccia, nei fatti, solchi e percorsi molti vicini a quelli di musicisti come Andrew Hill, a cui verosimilmente è dedicato il brano d’apertura, e  Paul Bley, come  riportano le note di copertina.  L’ascolto mette in evidenza le grandi doti del leader avvinghiato al suo contrabbasso in un esercizio esecutivo denso di ritmo e sfumature sottilmente liriche che,  per quanto cupe ed essenziali, affascinano perché debordanti di un’essenza primordiale e definitivamente jazz.  Protagonisti quanto lui sono anche Taborn e Cleaver, oramai approdati nell’olimpo dei  grandi del jazz contemporaneo, con il pianista intento a cesellare ragnatele di note fittissime con frequenti   variazioni ritmiche, spesso in forma di contrappunto altre volte esposte con fraseggi impeccabili. E che dire di Cleaver, drummer di gran pregio, accorto e sensibile ad ogni metamorfosi ritmica, istrionico e mai debordante, sobrio ma attinente in ogni contesto. I temi sono brevi ed accennati all’inizio e alla fine di ogni brano, ma  all’interno la performance si fa straordinariamente coinvolgente,  pervasa da un costante interplay e i tre musicisti si riservano ampi spazi  per l’improvvisazione e per i solo. Un’opera assolutamente essenziale per apprezzare gli elementi costitutivi dell’espressività jazz che Pavone e soci impinguano di esclusiva modernità.

Giuseppe Mavilla

Ascolta i sampler qui

The Sirens

Chris Potter

Ecm

Ispirato da Omero il sassofonista e clarinettista Chris Potter ci ha consegnato all'inizio di questo 2013 un album di rara armonia, un misto di liricità, decantata con intenso acume attraverso i suoi strumenti a fiato preferiti e la peculiarità di un quintetto che include due pianisti che si muovano su versanti eterogenei e che danno al suono dell'ensemble quella specificità esclusiva che combina tratti prettamente bop ad altrettanti che si caratterizzano invece come decisamente cool. Ecco allora le singolarità di questo quartetto formato oltre che dal leader ai sax soprano e tenore nonché al clarinetto basso, da Craig Taborn e David Virelles rispettivamente al piano e al piano preparato, celeste e harmonium; Larry Granadier al contrabbasso; Eric Harland alla batteria. La liricità così cara a Potter è già in bella mostra in “Wine Dark Sea” prima selezione del cd, contrappuntata dalle incursioni tastieristiche di Taborn, mentre nella successiva “Wayfinder” la fluidità propria del brano è arricchita  dagli inserti di piano preparato di Virellas, musicista cubano che si sta notevolmente affermando nell’ambiente jazzistico newyorkese. L’ascolto ci imbatte nelle struggenti atmosfere della title track con il leader al clarinetto basso e Granadier all’archetto. Da qui in avanti è tutta una serie di conferme di quanto già detto per questo album strutturato con grande attenzione e ciò nonostante godibile e per certi versi affascinante proprio per quanto già detto in apertura. 

 Giuseppe Mavilla

Gen Himmel

Satoko Fujii

Libra Records

Dopo vari album in duo, trio, quartetto e anche quale conduttrice di diverse orchestre, la pianista Satoko Fujii torna al piano solo per la terza volta dopo gli episodi datati 1996 e 2003 e titolati rispettivamente Indication e Sketches, sempre che non mi sfugga qualche dettaglio della sua innumerevole discografia. Questo Gen Himmel è un gioco intimo, condito di effusione totale verso l’amato pianoforte, strumento capace di rapire artisticamente ogni grande musicista come la Fujii. Perché la pianista giapponese, per chi non la conoscesse (non è il caso degli abituali frequentatori di questo blog) è oggi tra i musicisti più interessanti che operano nell’ambito del musica contemporanea. Il suo linguaggio espressivo è multiforme e travalica ogni possibile etichettatura. La sua attività artistica è prolifica e in piú la nostra non disdegna impegni e confronti con musicisti in grado di stimolarla e arricchirla artisticamente. Ma torniamo a Gen Himmel e all’aspetto più poetico dell’espressività della musicista giapponese. L’album si apre con la ricerca di effetti sonori da piano preparato e come spesso lei ama fare eccola strofinare sulle corde, nel cuore dello strumento, quasi a voler testare lo stato d'animo del suo amato compagno di scena. Di seguito una sequenza d'accordi traccia un indefinito tema per il brano che da il titolo al cd. La pianista poi mostra il suo layout cameristico in “Hesitation” e recupera profumi e colori orientali, che tanto gli appartengono, in “Take Right” brano che evidenzia un altro aspetto tipico del suo linguaggio: la creatività e l'estemporaneità della sintassi jazzistica. C'é poi il minimalismo di “Ram” gli umori struggenti e la maestositá di “A.S.” nonché le tensioni miste a riflessioni sussurrate e  ad irruenze dirompenti in “Dawn Brown”. Questo l'assortito menú di un incontro da incorniciare tra una straordinaria musicista e il suo pianoforte e di un album altamente raccomandabile.

Giuseppe Mavilla