Pop Corn Reflections

Rosario Di Rosa Trio

Nau

Nuovi orizzonti espressivi si delineano nel linguaggio jazz del pianista Rosario Di Rosa e del suo trio formato da Paolo Dassi al contrabbasso e all’elettronica e da Riccardo Tosi alla batteria. L’approdo all’ etichetta discografica milanese Nau Records, nata nel 2011 per volontà di Gianni Barone, sembra aver dato nuova linfa creativa al musicista siciliano che comunque aveva già fatto notare le sue qualità artistiche con le precedenti produzioni. In questo Pop Corn Reflection c’è qualcosa di più: c’è voglia di innovarsi, di contaminare il proprio layout compositivo e di tracciare percorsi inediti. Per fare ciò il trio arricchisce la propria configurazione base (pianoforte-contrabbasso-batteria) con vari strumenti elettronici ed esordisce in apertura delle selezioni in preda all’ossessione ritmico-tecno di “Pattern n.74 – Serie” e all’urgenza espressiva della successiva “….And Peanuts for All”. Ma è la traccia n.3 “Steve Reich Reflection” chiaramente ispirata ad uno dei maestri del minimalismo a sorprendere per la sua struttura articolata. A seguire sopraggiunge la magnificenza lirica di “Spring n.35” che mette in evidenza, se mai c’è ne fosse bisogno, anche le capacità tecniche e la sensibilità artistica, oltre che del leader,  anche del binomio Dassi-Tosi. Il proseguo dell’ascolto, dei rimanenti brani, evidenzia il riproporsi degli elementi già evidenziati, in un alternarsi di scrittura e improvvisazione, con ricorrenti passaggi di stampo minimalista. Ed eccomi, allora, totalmente rapito dalla sfaccettata struttura di “Hattori Hanzo Reflection” o dalle ricercate interazioni presenti in “Variation on Schӧnberg’s Klavierstὒcke op 19 n.2” variazioni sulla stessa opera scritte da Di Rosa. Un lavoro ambizioso, questo del pianista e del suo trio, ottimamente riuscito e di grande originalità.

 Giuseppe Mavilla

Stilelibero

Luigi Vitale / Luca Colussi

nusica.org

E’ stato poco più di un anno fa che il vibrafonista Luigi Vitale e il batterista Luca Colussi si sono ritrovati per registrare quella che adesso è la settima produzione per l’etichetta nusica.org. Il titolo, Stilelibero,  ne descrive chiaramente lo spirito con il quale è stata concepita. Vitale e Colussi hanno provato per una intera giornata a dialogare senza costrizioni e senza percorsi prestabiliti, registrando ben sette ore di musica dalle quali, come raccontano presentando il cd, hanno estrapolato le otto tracce che ne costituiscono la selezione. Otto episodi che celebrano l'interazione ritmica fra i due musicisti che insieme al bassista Alessandro Fedrigo e al sassofonista Nicola Fazzini avevano condiviso la magnifica esperienza dell'album Idea F nell'ambito dell' XY Quartet. Qui si celebra l'interazione ritmica fra due specialisti, quali sono Vitale e Colussi, di strumenti come la batteria e il vibrafono ai quali si aggiungono rispettivamente per il primo: vibrafono preparato e vari di strumenti elettronici e per il secondo: sonagli, gong e altri oggetti sonori. I due disegnano in modo estemporaneo paesaggi inusitati; nel loro verbo c'è una spontanea capacità comunicativa che genera flussi ritmici in continua evoluzione. Ricerca e inventiva proseguono di pari passo a partire dalle rarefatte ed estese atmosfere dell'iniziale “Passaggi Nordici” mentre il passo cadenzato di “Fuga e Liberta” è l'elementare elemento da dove prende vita uno dei brani più affascinanti di tutto l'album. Suoni estranianti, sospesi nel vuoto e nel tempo, nell'intro di “Instabilità delle acque” che sfocia poi in un incalzante flusso ritmico. E ancora “Suite Verticale” con i suoi tre movimenti in continuo divenire a rivelare la reale e indiscutibile magnificenza di questo lavoro di pura empatia, di spontanee convergenze e di assonanze di intenti fra due musicisti che aprono nuove vie all'espressività dei loro strumenti.

Giuseppe Mavilla

cliccate qui per ascoltare l'album

Reverse Angle

Josh Deutsch / Nico Soffiato

Self Produced

Dopo le abrasive sonorità e i contrasti dinamici del suo precedente Ost Quartet l'italianissimo chitarrista padovano, Nico Soffiato, da anni residente a Brooklyn, si ripropone in compagnia del trombettista Josh Deutsch con il quale aveva condiviso nel 2011 un' esperienza discografica con un album  Time Gel come questo autoprodotto. Sonorità gradevoli e dinamiche acquietanti sono i presupposti per un album elegante e raffinato che si avvale del contributo di Zach Mangan alla batteria e di J.C. Maillard alle elettroniche. Deutsch ha il piglio lirico e ammaliante, la sua tromba cattura l’ascoltatore mentre Soffiato ricama con contrappunti e pregevoli dialoghi ogni passaggio dei nove episodi contenuti nel cd. Sette originali, alcuni a firma singola, altri in coppia e due arrangiamenti di cui si è esclusivamente occupato  Deutsch: un’intima riproposizione di un brano di Gershwin “Someone To Watch Over Me” e una personalissima rilettura della Patetica di Beethoven altrimenti conosciuta come la sonata per pianoforte n.8 opera 13. Sottolineature particolari meritano anche:  la title track che propende verso orizzonti rock; le atmosfere prevalentemente ballad di “Time Gel” e “Alabaster” nonché le ricercatezze minimali e rarefatte di “Salica Sand” e gli umori notturni di “Mix Tape”. Album intrigante e ispirato, piacevolmente godibile.

Giuseppe Mavilla

Embrace The Wild

Mike Parker’s Unified Theory

Self Produced

Arriva a Cracovia da New York: è il contrabbassista Mike Parker che della città polacca è cittadino ormai da due anni. Questo invece è il suo secondo lavoro con musicisti, di quella parte dell’est europeo, quali Dawid Fortuna, batteria; Bartek Prucnal, sax alto; Slawek Pezda, sax tenore; Cyprian Baszynski, tromba. Un album di modern jazz che ingloba nelle otto tracce che contiene espressività varie e articolate. Il tutto restituito con forza e intensità avvolgenti attraverso dinamiche hard e post bop, impinguate dalle innegabili influenze di grandi musicisti come Coleman o Mingus. E’ il caso, in particolare, delle prime due tracce della selezione “Kobra Kai Dance Remix” e “Hopped up Pop” brani dalla straordinaria verve ritmica e dall’intenso interplay, con larghi spazi per l’improvvisazione. Il front line dei fiati, magnificamente assortito, è arricchito dalla puntuale e robusta sezione ritmica sempre in primo piano. Parker impugna l’archetto, inaspettatamente e per poche battute, quando introduce “Sendoff for Sendak” una ballata sinuosa e lirica che si sviluppa in crescendo prima dell’abrasivo e funkeggiante “Piwo I Bona”. E’ poi la suite in tre movimenti “All Saints” a chiudere l’album in pieno climax mutante, tra umori sinfonico - cameristici e (ancora) fluide ricorse in territori bop a testimonianza dell’estro sopraffino e creativo del contrabbassista newyorkese.

Giuseppe Mavilla

Le trame del Legno

Federico Bagnasco

Old Mill

E’ un approccio smisurato, un assalto alle possibilità espressive dello strumento contrabbasso. Ne è autore Federico Bagnasco, musicista ligure, coadiuvato da Alessandro Paolini impegnato a  quelle elaborazioni elettroniche che contaminano larga parte delle quattordici composizioni contenute in questo cd. All’interno di esse si ascoltano umori classici, elucubrazioni cameristiche, improvvisazioni di stampo jazzistico, manipolazioni di avanguardie espressive. Bagnasco non si pone dettami ne limiti, tranne quello di non strafare e ci riesce magnificamente. La sua creatività procede imperterrita dalla prima all’ultima traccia attraversando ambiti variegati e restituendoci un’idea del contrabbasso mai assunta prima. Grande fantasia e profonda ricerca nell’attività di manipolazione del suono generato dallo strumento e plasmato su registri sonori inconsueti; ampio uso dell’archetto e continuo rilascio di infusioni sonore e ritmiche di forte impatto. Un gioco appassionato e appassionante che lega idealmente il musicista e l’ascoltatore, come quello che si instaura tra la naturalezza delle trame del legno di un contrabbasso e i chip degli elaboratori elettronici che ne filtrano il suono. Una produzione,  impossibile da etichettare, che brilla di esclusività e che va assolutamente ascoltata.

Giuseppe Mavilla

Corde Alterne

Roberto Gemo / Alessandro Fedrigo

nusica.org

Non del tutto inedito il duo protagonista di questo cd, Roberto Gemo ed Alessandro Fedrigo sono stati in un recente passato parte dell’Ar-men Trio e successivamente  hanno portato in giro in un unico spettacolo le loro proposte in solo, condividendo anche in momento in duo. In questa produzione numerata “06” nel catalogo della singolare etichetta trevigiana nusica.org Gemo e Fedrigo provano a sintetizzare le loro diverse anime musicali. Gemo ha un profondo legame per il mondo classico, ma si mostra parecchio lusingato dal country rock acustico di stampo americano. Predilige la tecnica del fingerpicking e in questa incisione lo troviamo alle chitarre: classica, soprano e baritono nonché all’elettrica e agli effetti; Fedrigo evidenzia invece una notevole propensione verso la musica jazz, è uno studioso delle possibilità espressive della chitarra basso acustica, ascoltate al tal proposito il suo album Solitario, ma in questa occasione imbraccia anche il basso elettrico e si occupa nel contempo delle voci e degli effetti. Quindici le composizioni incluse nell’album, tutte originali e tutte uscite dall’estro compositivo dei due protagonisti. La traccia d’esordio, che da il titolo all’album, delinea i presupposti primari di un dialogo che si fa  sempre più intenso e vario man mano che si va avanti nell’ascolto. Gemo e Fedrigo disegnano splendide melodie, preziose essenze di  composizioni dalle strutture composite dove c’è spazio per l’improvvisazione. Basta ascoltare “Per Sempre” o le struggenti armonie di “De Molen”  che Gemo traccia con raffinato incedere prima di imbattersi nella fedrighiana “Obuscurio”. Un brano dai toni scuri in cui, per i primi due minuti, è protagonista la chitarra basso acustica dell’autore che subito dopo instaura un intenso processo interattivo con la chitarra di Gemo. Il culmine della genialità comunicativa tra i due musicisti si realizza in “Valzer Amabile” vera perla dell’album mentre in “Falesie” si dispiegano  umori jazz intrisi di leggerezza e fluidità. Ad intervallare questi  e altri pregevoli episodi sono poi brevi brani in cui Gemo e Fedrigo percorrono sentieri espressivi legati ad ambiti progressive e rock noise. Momenti abrasivi, dissonanti, con largo uso di effetti elettronici, probabilmente estemporanei, con i quali i due protagonisti si concedono stimolanti divagazioni sonore ed esecutive.  Le Code Alterne di Gemo e Fedrigo ci regalano una riuscitissima produzione in pieno stile nusica.org fruibile in rete attraverso i suoi contenuti multimediali e di cui è, come sempre, disponibile anche il cd fisico, realizzato in tiratura limitata e numerata.

Giuseppe Mavilla

Dagli Appendini alle Ante

Lorenzo Capello Quintet

OrangeHome

Brioso, ironico, dirompente. Così si presenta il Lorenzo Capello Quintet già a partire dalla traccia d'apertura di questo cd, il secondo della sua discografia. I cinque raccontano in musica, metaforicamente, la condizione di chi non riesce mai a decidere, di chi non riesce mai ad uscire dal suo guscio, dal suo piccolo angolo di collaudata sicurezza pur avendone voglia. Giocando con il titolo di un celebre romanzo danno il nome all’album e rappresentano la metafora attraverso un individuo prigioniero del suo armadio e incapace di scegliere ciò che deve portare con sé nell’imminente partenza. Due fiati: il trombone di Tony Cattano e i sassofoni di Antonio Gallucci; il pianoforte di Lorenzo Paesani; Michele Anelli al contrabbasso e Lorenzo Capello, leader della formazione, alla batteria. A loro, in un brano, si aggiunge la cantante americana Echo Sunyata Sibley. Un album che si snoda attraverso un ventaglio di ambiti che vanno dal bop al jazz- rock, passando dalle parti del blues, dell’ hard bop e persino dello swing. A volte solo accenti, altre volte vere e proprie incursioni, che si succedono con frenesia e imprevedibilità, in una sequenza incalzante, cangiante e irrorata da pregevoli soli. Tutto ciò  delinea un ensemble dall’identità ancora non totalmente definita ma di certo con promettenti prospettive.

Giuseppe Mavilla 

Per saperne di più visitate il sito dell'OrangeHome Records

Conversations about Thomas Chapin

Stefano Leonardi / Stefano Pastor / Fridolin Blumer / Heinz Geisser

Leo

E' un quartetto italo-svizzero a focalizzare con questo cd la sua attenzione sul musicista e polistrumentista americano Thomas Chapin, scomparso nel febbraio del 1998, a poche settimane dal suo quarantaduesimo compleanno. Non molto noto ai più, Chapin ha lasciato segni indelebili del suo passaggio sulla scena del jazz contemporaneo, in particolar modo su quella della downtown newyorkese. Stefano Leonardi, flauti; Stefano Pastor, violino; Fridolin Blumer, contrabbasso ed Heinz Geisser, batteria in questa loro recente produzione, per la prestigiosa Leo Records, non si ripromettono di celebrarne le gesta innovative che la sua filosofia jazz ha evidenziato ma scelgono di tracciare una conversazione musicale, da qui il titolo del cd, riferendosi alle metodologie che il musicista americano seppe concepire nella sua pur breve ma intensa attività di musicista. Singolare può essere poi definita la configurazione del quartetto che accosta i flauti di Leonardi al violino di Pastor in un gioco d'interazione intenso e sfaccettato supportato magnificamente dalla sezione ritmica del duo Blumer-Geisser. Sette gli episodi che coniano la selezione musicale dell'intero cd, di cui sei composizioni originali firmate in toto dal quartetto ai quali si aggiunge la ripresa di “Anima” pescata invece nel repertorio di Chapin. L’ambient ricorrente è permeato da un alone cameristico fortemente irrorato da consistenti porzioni improvvisative che mettono in evidenza le qualità tecniche dei componenti il quartetto e la loro amabile predilezione per la libertà espressiva. La title track che apre l’album ha una struttura variegata ed alterna momenti ricchi di tensioni e frenesia ritmica a porzioni intimistiche in cui ricorre il tema primario del brano. A sorpresa poi arriva il climax inizialmente rarefatto di  “The Way Everythings Works” che passo dopo passo sfocia in un ipnotico ritmo world. La parte centrale dell’album è densa di momenti ricercati sia a livello espressivo che nell’attività di interplay che coinvolge tutto il quartetto, mentre la ripresa di “Anima” regala fulminei umori lirici presto sopraffatti da una sorta di smaniosa tensione espressiva che è nei fatti l’essenza viva e pulsante di uno dei migliori album jazz prodotti in Europa nel 2014.

 Giuseppe Mavilla

Elephas

Luigi Vitale Ensemble

Musicavitale

Del vibrafonista Luigi Vitale ho già avuto modo di scrivere recensendo otto anni fa, nel 2006, per il portale Jazzitalia, la sua prima incisione Cin-Cue (potete leggerla qui) con un parte dell'ensemble che lo accompagna in questo recentissimo Elephas. Era un quartetto con lo stesso Vitale al vibrafono e marimba, Gianni Virone ai sax soprano e tenore, Alessandro Fedrigo al basso acustico e Luca Carrara alla batteria e percussioni. A loro, nell'ensemble di oggi, si aggiungono Walter Vitale al sax contralto e clarinetto e Laura Zigaina al flauto e ottavino. Le buone premesse di quell'album si ritrovano in quest'ultimo, mentre in questo lasso di tempo che separa le due incisioni il vibrafonista è stato parte di altri progetti. Elephas è la naturale evoluzione di un progetto già delineato con assoluta chiarezza e determinazione, l'affermazione definitiva di un fine accostamento tra sonorità ricercate ed eleganti con ritmi world; tra le strutture articolate delle composizioni originali, tutte a firma del leader, e l'improvvisazione jazz. L'integrazione dei due nuovi componenti ingrossa la sezione fiati del combo arricchendo l'aspetto cantabile e armonico del linguaggio di Vitale. Le undici composizioni esibiscono temi raffinati sui quali si instaurano sinuosi dialoghi interattivi di pregevole fattura. Ottimi i soli, prevalentemente ad appannaggio di fiati, vibrafono e marimba, che occupano la parte centrale dei brani mentre sul versante ritmico le virate percussive di Carrara si accostano a meraviglia al singolare, quanto esclusivo, contributo di Fedrigo al basso acustico. Vitale conferma le sue già apprezzate qualità  che si estendono anche alla bontà della sua scrittura e i fiati del trio Virone-Vitale (Walter)-Zigaina si spartiscono il front-line. Dall’articolata title track che apre l’album, alla ritmica “Sottile” che lo chiude, si apprezza una produzione certamente meritevole di essere ascoltata. 

Giuseppe Mavilla 

I’ve Been to Many Places

Matthew Shipp

Thirsty Ear

E’ fitta l’attività discografica del pianista Matthew Shipp che con questo cd torna al piano solo. Diciassette brani che celebrano l’empatia esclusiva tra lui e lo strumento attraverso un percorso sfaccettato in cui il musicista interpreta brani propri e rielaborazioni di frammenti e temi di brani altrui. Un album che nasce in un momento di riflessione sui vari filoni attraverso i quali Shipp ha sviluppato il suo pensiero musicale certamente affine al genere jazz ma aperto alla contaminazione con altri generi.  La traccia che da il titolo all’album è la prima delle selezione inclusa nel cd  e mi da l’illusoria sensazione che il nostro si trovi al cospetto di uno strumento sovradimensionato, tanto è intenso il flusso armonico e ritmico che man mano prende corpo. Fraseggi veloci, ritmicamente incalzanti  e aperture melodiche si susseguono in evolutiva continuità. Shipp è totalmente rapito dalla potenzialità sonora e musicale dello strumento e lo dimostra ancora di più con una personalissima versione della “Summertime” di Gerwhin, quasi un inno trionfante. Climax mutante con “Bian Stem Grammer” frenetico e cangiante; ambient minimalista in “Pre Formal”. Poi le delizie di “Waltz” struggente e danzante; il refrain velato di tristezza di “Reflex”; il frammento di lacerante bellezza di “Naima”; l’umore easy listening di “Where is The Love” e tanto altro ancora. Una saga del piano solo.

  Giuseppe Mavilla

L’Uomo Poco Distante

Tony Cattano Ottetto

Fonterossa

Chi è l’uomo poco distante a cui allude il trombonista Tony Cattano nel titolo del suo nuovo album in ottetto? Le note del libretto accluso svelano il mistero: l’uomo poco distante è quello che nei cortei funebri non si integra mai con gli altri, apparentemente distaccato, legato per chissà quale motivo al defunto partecipa al corteo da una certa distanza. A questa figura Cattano si è ispirato nel comporre le nove tracce di questo cd, ricordando i suoi trascorsi giovanili di musicista nella banda della città natale, Carlentini, ad accompagnare cortei funebri e processioni religiose. Di quella Sicilia di cui ancora oggi conserva memorie e tradizioni Cattano ripropone suoni, immagini ed atmosfere metabolizzati all’interno di un linguaggio che guarda ampiamente oltre il contesto del jazz, inglobando certamente elementi riconducibili alla musica per banda. Nel contempo, rilevo, nella scrittura di del trombonista siciliano frammenti del linguaggio di Bill Dixon. Toni gravi e pieni orchestrali sono aspetti che sembrano ricondurmi al grande musicista americano.  E poi anche la configurazione dell’ottetto, dove accanto al trombonista ritroviamo il fratello Carlo Cattano, flauti e sax soprano; Marco Colonna, clarinetti; Beppe Scardino sax baritono e clarinetto basso; Pasquale Mirra, vibrafono; Giacomo Ancillotto, chitarra; Roberto Raciti, contrabbasso; Daniele Paoletti, batteria, ricorda per certi versi i contesti dixoniani. Solo semplici osservazioni le mie, le distanze (per rimanere in tema) con l’universo del grande maestro americano sono notevoli e lungi da me volerli abbattere con i rilievi di cui sopra. Vado invece a ribadire l’identità ben definita dell’opera di Cattano e soci, che brilla di grande originalità e che pesca anche nel filone popolare della nostra tradizione musicale, densa com’è di risvolti melodici, che approda spesso in ambiti cameristici, che sa essere viscerale ed intensa nei suoi mutamenti ricorrenti. Per averne prova basta ascoltare la traccia che titola l’album, nebbiosa, avvolgente, ricca di umori blues, preda di un intreccio di suoni e dinamiche espressive in continuo crescendo. E che dire di “Cammino Sognante” che dopo l’intro bandistico lascia spazio ad un dialogo soffuso, intimo, tra contrabbasso e flauto, allargato, passo dopo passo, al contributo degli altri. E ancora: la struggente melodia di “Canto D’Addio” e l’umore popolaresco di “Repiti” che precede “Settembre” episodio articolato, tra i migliori di un album assolutamente irrinunciabile. 

  Giuseppe Mavilla

High / Red / Center

Jason Roebke Octet 

Delmark

E’ dalla scena jazz di Chicago che arriva l’ottetto che firma questo spumeggiante cd. A coordinarlo è il contrabbassista Jason Roebke ormai integratosi nella città del vento da almeno quindici anni. Accanto a lui sette musicisti che operano nel medesimo contesto del leader: Greg Ward, sax alto; Keefe Jackson, sax tenore; Jason Stein, clarinetto basso; Josh Berman, cornetta; Jeb Bishop, trombone; Jason Adasiewicz, vibrafono; Mike Reed, batteria. Undici le composizioni scritte da Roebke per l’occasione, opportunamente pensate per la specifica struttura dell’ensemble che come è evidente si avvale di una robusta sezione di fiati e di una sezione ritmica arricchita dalla presenza  di uno strumento particolarmente caratterizzante come il vibrafono. La title track che apre l’album è fluida e riserva, tra incursioni bop, umori funky ed echi di swing, una parentesi riflessiva, per un articolato solo di sax  e di interazioni in duo o in trio, all’interno del suo svolgimento per poi chiudersi così come aveva iniziato. La successiva “Slow” sembra giocata in un contesto di libertà alla ricerca però di assonanze e convergenze comuni, mentre “Blues” propone, su un mood piatto ed ostinato, un crescendo armonico sempre più definito e in divenire. Poi le rassicuranti e armoniosi ondeggiamenti di “Dirty Cheap” e lo scintillante funkeggiare di “No Passengers” mentre quando già ci si avvia alla conclusione arriva in penultima traccia “Shadow” intrisa fino in fondo di essenze ellingtoniane. Tra passato e presente, rimandi alla tradizione e stimoli innovativi, si delinea una produzione certamente di rilievo.

Giuseppe Mavilla

Reverie

Ivo Perelman / Karl Berger

Leo

Per il sassofonista Ivo Perelman questo è il quarto cd pubblicato nel 2014 a dimostrazione di un momento di grande ispirazione che sembra essere la costante del musicista, brasiliano d’origine, nato nel 1961 a S.Paulo, cittadino newyorkese dal 1990 dopo un periodo di studi a Boston al Berklee College of Music. La sua prima incisione è datata 1989 ed è per celebrare i suoi venticinque anni di registrazioni che Perelman ha rilasciato di recente questo che è il suo cinquantacinquesimo album. Per la prima volta al suo fianco troviamo il pianista tedesco Karl Berger, musicista con un bagaglio di prestigiose di incisioni a suo nome e di frequentazioni privilegiate, come sideman, accanto a jazzman quali Ornette Coleman e Anthony Braxton. Reverie è un dialogo intenso tra un Perelman che sfodera la sua consueta forza espressiva, arricchita da un'inusitata vena lirica e un pianista, Berger, capace di irrorare con i suoi fraseggi, i cambi di ritmo e i puntuali contrappunti l'essenza di un'espressività esclusiva, a tratti malinconica, che veleggia maestosa e trionfante per tutte le sei composizioni. L'iniziale “Trascendence” è l'ampio varco di ingresso nell'ambient empatico dei due protagonisti, avvolti in un'interazione fatta di rincorse e fughe, di ascendenze e discendenze tonali, di tensioni e acquiescenze, prima che arrivi la struggente melodia di “Contemplation”. Si viaggia tra scrittura e improvvisazione, tra riferimenti classici che Berger, ripropone evidenziati con una sottolineatura votata verso canoni di assoluta libertà, rimescolati e proiettati con esuberanza da Perelman. Osservazioni assemblate quasi di botto, le mie, mentre ascolto la sublime “Pensiveness” sofferta nell'esercizio fiatistico, celebrata e percorsa, in ogni sua sfaccettatura possibile, nell'approccio pianistico. Poi le convergenti dinamiche di “Pursuance” e l'inondante liricità di “Placidity” poco più di quattordici minuti di magnificenza artistica con due musicisti superlativi intenti a disegnare un percorso incredibilmente interattivo, travalicante di ogni possibile definizione, imprevedibile nella sua struttura variegata. Si chiude con la traccia che da il titolo all'album, una ballad narrata da Perelman con una forza e una duttilità espressiva disarmante. Reverie è un altro episodio vincente nella discografia del sassofonista (di lui vi ho già raccontato a proposito dei cd The Foreign Legion e The Art of Duet vol.1 potete leggerne le recensioni qui e qui) ma anche uno dei migliori album jazz di questo 2014.

Giuseppe Mavilla

Juggernaut

Indu

Slam

Sulla scena jazz italiana irrompe il duo Indu, ovvero Andrea Grillini e Claudio Vignali, con un album che vede il primo alla batteria e agli effetti speciali e il secondo al pianoforte e tastiere varie. Con loro i fiati di Achille Succi presente in tre dei nove brani che compongono la selezione di un lavoro che annuncia a gran voce la frenesia e l’urgenza espressiva dei due titolari del progetto. Musicisti eclettici che non amano gli steccati di solito interposti tra un genere e un altro, quindi, ampia imprevedibilità di atmosfere. In apertura l’irruenza tecno di “Blastamaniac” a cui fanno seguito le inusitate geometrie di “Van Gundy’s Retreat” firmata da Tim Berne, la sola non originale, che Vignali prima traccia al sinth e poi sviluppa al pianoforte in stretta simbiosi con Grillini. Lo zigzagare del clarinetto di Succi è protagonista di “Le Pommes Alcooloque” terza traccia lampo, poco oltre i due minuti, ancor meno delle precedenti due. Forse un segno di istintive ispirazioni colte al volo dai due musicisti e subito formalizzate. Poi il primo dei tre episodi clou di tutto l'album: “Rabrofiev's View” una composizione che travalica ogni possibile etichettatura, maestosa, evocativa e articolata, mette in evidenza il talento di Vignali in un crogiuolo di elementi classici e di modern jazz che trovano splendida fusione e relazione nell’intenso interplay con il drumming di Grillini. E ancora “Icarus” frenetica, sfuggente, ritmicamente incalzante, esplosiva e poi di colpo struggente, fino a rinascere in un crescendo dirompente, narrata meravigliosamente dai fiati di Succi e dal binomio Grillini-Vignali. E’ la porzione dell’album più intensa quella che vi sto raccontando e che conduce alla traccia finale, all’ipnotica e ostinata ritmicamente “A.N.S.”.  Juggernaut è un lampo di luce abbagliante, un crepitìo sonoro che incuriosisce l’insaziabile appassionato ascoltatore. Non privatelo della vostra attenzione!

 Giuseppe Mavilla

Chris Weller’s Hanging Hearts

Chris Weller’s Hanging Hearts

Self Produced

Trio vincente quello degli Hanging Hearts guidati dal sassofonista Chris Weller affiancato da Cole Degenova alle tastiere e Devin Drobka alla batteria. Weller è stato rapito dal jazz del grande Charlie Parker alla tenera età di 8 anni ed ha studiato, come gli altri due membri, al Berklee College of Music di Boston. Ed è lì che il trio ha preso vita con un linguaggio che propone una sorta di sintesi fra jazz e rock. Brani dalla struttura ben delineata con temi esposti all’inizio e alla fine e con all’interno ampi spazi per l’improvvisazione. La traccia d’apertura “D Rover” evidenzia un ambient fortemente caratterizzato da sonorità energicamente dirompenti e da timbriche naturali. I tre non cercano raffinatezze ma dispiegano una forza espressiva che ascolto dopo ascolto coinvolge sempre di più. Anche la successiva e inaspettata ballad “The Single Petal of a Rose” di Duke Ellington, condotta dal sax di Weller, lirico e avvolgente sull’ oscillante tappeto sonoro delle tastiere di Degenova, è intrisa di una sincera e naturale espressività. E’ un album che brilla di passione, partecipazione e dialoghi, nulla è lasciato in sospeso, ogni porzione è vissuta intensamente dai tre. Ne è un chiaro esempio la trascinante “Early Bird” o l’incalzante “Lucid Dream” con l’ostinato riff di Weller al sax. Ottimo il contributo di Degenova, non fa rimpiangere l’assenza del contrabbasso o di un basso elettrico e la sua presenza è sempre determinante, nel contrappunto e nei soli, così come il drumming dell’infaticabile Drobka denso di fragori rockeggianti. In definitiva un album che si contraddistingue anche per l’invidiabile equilibrio fra passato e presente e che declama a gran voce l’intuizione di layout espressivo singolare che, non ha caso, arriva dalla "wind city".

Giuseppe Mavilla

Root of Things

Matthew Shipp Trio

Relative Pitch

Dopo Piano Sutras, uscito sul finire del 2013 e di cui potete leggere qui la recensione, riecco il pianista Matthew Shipp in trio con i fidati Michael Bisio al contrabbasso e Whit Dichey alla batteria, in questo cd uscito la scorsa primavera mentre oggi sono già disponibili  per i miei prossimi ascolti, i più recenti Cosmic Lieder The Darkseid Recital, in duo con il sassofonista Darius Jones, e il suo nuovo, piano solo, I've Been To Many Places. Di entrambi vi racconterò nelle prossime settimane. Root of Things è un album che travolge lo spazio temporale necessario per il suo ascolto, questo già ad iniziare dalla title track dal tema breve ma sublime sul quale, Shipp, innesca un ostinato e variegato reticolo improvvisativo.  L’intreccio delle parti è intenso, giocato su una miriade di note, di pulsazioni, di ritmi come quello che impingua la quasi interminabile “Jazz it”. C’è un solido legame col passato nel pianismo di Shipp e una grande interpretazione del presente, uno status ottimale raggiunto dal musicista, una sorta di maturata ed equilibrata espressività  dopo anni di esplorazione di orizzonti contaminanti. “Code J” ha una punteggiatura sfaccettata, ricca di accenti e incandescenze, ma non disdegna aperture delicate e morbide. La componente ritmica si sposta in prima linea nelle successive “Path” e “Pulse Code”. Nella prima, come nella seconda, sono le intro a risultare a totale appannaggio rispettivamente di Bisio che sfodera l’archetto alternandolo per buona parte alle dita della mano nell’esplorazione asettica di una scena sonora in cui a breve irromperanno pianoforte e batteria; di Dickey fantasmagoricamente fremente come ad annunciare, con il suo drumming dirompente le nervose e rimbombanti  giravolte di pianoforte e contrabbasso. Un altro capitolo inesauribile, anche dopo vari ascolti, della magnificenza artistica non solo di un grande musicista come Shipp, ma di un superbo trio della scena jazz contemporanea. 

Giuseppe Mavilla

Oktopus Connection

Oktopus Connection

Setola di Maiale

Se l’etichetta discografica Setola di Maiale dichiara senza mezzi termini di occuparsi di musiche non convenzionali allora è sicuramente lecito trovare nel suo catalogo una produzione unica nel panorama jazz italiano. Oktopus Connection è il suo nome ma anche quello dell’ottetto tutto italiano che l'ha incisa. Otto musicisti che rispondono ai nomi di Riccardo Marogna, Piero Bittolo Bon, Alberto Collodel, Marcello Giannandrea e Nicola Negri ai fiati; Niccolò Romanin alla batteria e agli effetti speciali; Giambattista Tornielli al violoncello e Luca Ventimiglia al vibrafono. Tutti interessati alla ricerca nel campo del jazz sperimentale e guidati dal clarinettista e sassofonista padovano Riccardo Marogna. Come precisato da quest’ultimo, in sede di presentazione del progetto, si tratta di “un’improvvisazione collettiva su partiture grafiche” che tradotto in concreto delinea una serie di notazioni grafiche, tracciate dallo stesso Marogna, che danno vita a degli stadi sonori che vanno via via moltiplicandosi e in cui può ritrovarsi ogni musicista coinvolto. Il tutto si realizza naturalmente in relazione con altri musicisti ed ogni esecuzione ha una sua identità sempre diversa dalla precedente o dalla successiva . C’è nei fatti e alla base di questa concezione dello sviluppo dell’improvvisazione jazz, un preciso riferimento alla teoria dei grafi usata sia in matematica che in informatica. Sei le parti, in cui è suddivisa quella che poi può essere definita una suite, ognuna delle quali è identificata con un preciso numero e tutte denominate “Graph”. L’ascolto riserva sorprendenti paesaggi sonori in ambiti variegati, in cui prendono vita strutture multiforma che alternano intensi contrasti sonori a porzioni rarefatte. Si passa da atmosfere cameristiche ad interazioni puramente free e da un brano all'altro è tutto un brulicare di suoni e dialoghi imprevedibili. Tensioni e rilassamenti si alternano fra dinamiche in continua mutazione. E' un'esperienza di ascolto di grande impegno ma sicuramente ricambiata dalla qualità della performance che ci fa apprezzare un ensemble che guarda oltre il mare del prevedibile, percorrendo territori comuni a quelli battuti da musicisti come Anthony Braxton o Bill Dixon. Marogna e soci hanno molte frecce ai loro archi e sopratutto coltivano il gusto dell'azzardo. Avanti così ragazzi!

Giuseppe Mavilla

Joy In Spite Of Everything

Stefano Bollani

Ecm

Non sono mai stato un ammiratore del personaggio Bollani, mentre ho sempre apprezzato e riconosciuto le qualità del musicista Stefano Bollani di cui non ho mai dimenticato il pregevole livello di lavori come Piano Solo e I Visionari  entrambi pubblicati nel 2006. Oggi a sorprendermi è questa nuova produzione per la Ecm. Nove composizioni ad esclusiva firma del nostro, tutte nuove di zecca, un quintetto che ingloba il collaudatissimo Danish Trio, con Jesper Bodilsen al contrabbasso e Morten Lund alla batteria, e che si completa con il sassofono di Mark Turner e la chitarra di Bill Frisell. Un ambient gioioso e vivido, quello in cui si muove l’ensemble che predilige un’espressività intrisa di cool jazz, con temi di elevata fattura e porzioni improvvisative che mettono in stretta correlazione tutti i cinque musicisti. E se l’iniziale “Easy Healing” calipso morbido e sinuoso, annuncia piacevolmente l’alto grado di godibile ascolto che riserverà l’intera selezione, è “No Pope No party” eseguita in quartetto senza Frisell, a non nascondere la consueta ironia del giullare Bollani. Ma l’album offrirà gemme lucenti come “Alobar e Kundra” esempio lusinghiero di piano trio con il leader in cattedra; le armonie gentili di “Vale” questa volta in quintetto; l’estroso, quanto raffinato e cangiante, dialogo a due Bollani-Frisell  in “Teddy”. Torna il quartetto, senza Turner, nella traccia finale che da il titolo al cd ed è ancora un gioco a due tra Bollani e Frisell ma, questa volta, con il supporto solidamente ritmico di Bodilsen e Lund. Prova da dieci e lode per l’esuberante e magistrale pianista che ha integrato, meravigliosamente, un accorto Turner e un cesellatore fine e discreto come Frisell.

Giuseppe Mavilla

Mise en Abîme

Steve Lehman Octet

Pi

C’è una grande quantità di frenesia ritmica, di fiati fluttuanti, di concezioni moderne ed espressività alternative nel linguaggio del sassofonista Steve Lehman che, con lo stesso ottetto con il quale realizzò lo stellare Travail, Transformation e Flow, si ripropone in questo riuscitissimo cd. Qui il nostro prova a condensare la tradizione jazz, vedi la rilettura di alcune composizioni di Bud Powell come “Glass Enclosure” e “Parisian Thorougfare”, con i principi di armonia spettrale decantate e applicate dal compositore francese Tristan Murail. Il resto è una ampia apertura a tecniche e linguaggi avanzati della musica contemporanea, che trova l’ensemble in perfetta sintonia, impegnato in un gioco fittissimo di scompaginanti interazioni e fulminanti soli con un front-line di fiati che vede allineati, oltre al leader all’alto sax e ai live eletronics, Jonathan Finlayson, tromba; Mark Shim, sax tenore; Tim Albright, trombone. Poi il comparto ritmico, con Chris Dingman alla prese con un vibrafono preparato su misura, con accordature alternative, Drew Gress al contrabbasso e Tyshawn Sorey alla batteria. Dinamiche travolgenti in un ambient di sonorità urbane che incalzano l’ascoltatore, come nella splendida “Autumn Interlude” che segue l’omaggio in “Codes:Brice Wassy” al grande batterista camerunese o nella percussiva “Chimera / Luchini”. Poi, dopo tanto futurismo, ecco la già citata “Parisian Thorougfare” di Powell, una parentesi nostalgica e rarefatta che unisce, in una atmosfera spettrale, una vecchia registrazione privata di Powell, di cui si ascolta anche un parlato, con i fraseggi del sax di Lehman a chiusura di un disco prezioso da custodire con cura.

Giuseppe Mavilla