Four

Satoko Fujii / Joe Fonda

Long Song

di Giuseppe Mavilla

Quarto incontro discografico tra la pianista giapponese Satoko Fujii e il contrabbassista americano Joe Fonda, anche questo, come i tre precedenti, sotto l’egida dell’etichetta italiana Long Song. Un dialogo che continua, un confronto che è sintesi della loro collaborazione che non è documentata solo ed esclusivamente da questi quattro album ma continua anche attraverso i concerti che portano in ogni parte del mondo. Un altro percorso dei tanti che la Fujji ha in itinere, ognuno con un layout espressivo diverso dall’altro, in un ambient che predilige strutture libere che lasciano il campo all’inventiva ed alla estemporaneità.

A Light Day

Franco D'Andrea

Parco della Musica

di  Giuseppe Mavilla

Ritorno al piano solo per Franco D’Andrea dopo gli approfondimenti sulle aree intervallari degli album Intervals I e II. L’ultima incisione in un contesto simile era stata Today nel 2013 e adesso, a distanza di sei anni, il musicista di Merano propone un’opera sicuramente più ambiziosa, frutto dell’evoluzione e della ricerca operata in questi anni. E’ questa non è certo una novità nell’attività musicale di D’Andrea, abbondantemente prolifica e sempre stimolante, piuttosto è un’ulteriore passo avanti con un album doppio che nei fatti presenta due suite: Morning e Afternooh. 

Confluence

Satoko Fujii / Ramon Lopez

Libra

di Giuseppe Mavilla    (english version) translated by Annapaola Mavilla

Twelve albums in 2018, one per month, for the Japanese pianist Satoko Fujii, who has  celebrated her 60th birthday, while in 2019 she came back with her cd Stone  in solo piano, already reviewed in this blog. This was followed a few months ago from Confluence which I am going to tell you about, while these days the cd Four is out, in a duo with the bassist Joe Fonda. Furthermore, Entity recorded with New York Satoko Fujii Orchestra and Baikamo in duo with the drummer Tatsuya Yoshida, are coming soon.

RIPARTE LA NUOVA STAGIONE DI MUSICAFOSCARI

   

L’Università di Ca’ Foscari Venezia presenta la nuova stagione concertistica di musicafoscari 2019, progetto nato nel 2010 con lo scopo di offrire agli studenti un’esperienza culturale e di condivisione pratica dei linguaggi musicali attuali, attraverso workshop di improvvisazione e composizione collettiva.

La stagione 2019 prosegue la linea di ricerca sulle relazioni aperte fra composizione e improvvisazione, tecniche strumentali, parola, voce e immagine, sviluppate a partire dagli anni Sessanta e aggiornate al contesto attuale.

Il programma prevede cinque appuntamenti musicali.

Confluence

Satoko Fujii / Ramon Lopez

Libra

di Giuseppe Mavilla

Dodici album nel 2018, uno al mese per la pianista giapponese Satoko Fujii, che l'hanno vista celebrare i suoi sessant'anni, mentre in questo 2019 si è  riproposta con il piano solo Stone,  già recensito in questo blog. Ad esso ha fatto seguito qualche mese fa Confluence, di cui mi accingo a raccontarvi, mentre è  in uscita, in questi giorni, Four  in duo con il contrabbassista Joe Fonda. In più sono in arrivo Entity  inciso con la Satoko Fujii Orchestra di New York e Baikamo in duo con il batterista Tatsuya Yoshida.

Ain't Nothing But a Cyber Coup & You

Mark Dresser Seven

Clean Feed

di  Giuseppe Mavilla

Nuova produzione per il Mark Dresser Seven, dopo l'ottimo Sedimental You del 2016. Ancora affiancati ritroviamo Nicole Mitchell ai flauti; Marty Ehrich ai clarinetti e sax; Keir GoGwilt, avvicendatosi in questa occasione a David Morales Boroff, al violino; Michael Dessen al trombone; Joshua White al pianoforte; Jim Black alla batteria e lo stesso Dresser al contrabbasso. Questo, Ain't Nothing But a Cyber Coup & You, lo vede ricordare la scomparsa del sassofonista Arthur Blyte e del pianista Butch Lacy, musicisti con i quali Dresser ha suonato. A loro sono ispirati e dedicati rispettivamente la traccia di apertura, "Black Arthur's Bounce" (in memoria del sassofonista Arthur Blythe) e quella di chiusura dell'album, "Butch's Balm" (in memoria del pianista Butch Lacy) la prima caratterizzata da un tema ritmato dai risvolti funky e dai soli di tutti i componenti il settetto; la seconda dall'atmosfera pacata a volte struggente, una sorta di nenia nel ricordo di Lacy.

FONTEROSSA meets BLUERING OPEN ORCHESTRA

Laboratori di improvvisazione 2019/20

Laboratori di improvvisazione ed esecuzione di partiture non convenzionali

Da novembre 2019 a maggio 2020, 7 giornate di workshop e concerti con maestri di spicco della scena musicale nazionale ed internazionale.

L'Associazione Culturale “BlueRing-Improvisers” (nelle figure di Tobia e Michele Bondesan e Giuseppe Sardina), attiva da anni nella promozione della ricerca, dell'improvvisazione, della sperimentazione e nell'organizzazione di eventi e workshop in ambito musicale, rinnova anche per l'anno 2019/20, in collaborazione con Pisa Jazz e Fonterossa Records di Silvia Bolognesi, il laboratorio “FONTEROSSA meets BLUERING OPEN ORCHESTRA: laboratori di improvvisazione ed esecuzione di partiture non convenzionali”.

Padova Jazz Festival 2019

22° edizione

25 ottobre - 23 novembre 2019

Padova Jazz Festival piano edition. La ventiduesima edizione della kermesse padovana, in scena dal 25 ottobre al 23 novembre, punta decisamente sui pianisti, convocando un cast in cui brillano i pianoforti di Raphael Gualazzi, Monty Alexander, Kenny Barron, Vijay Iyer, Benny Green, Aaron Diehl, nonché l’organo di Dan Hemmer, che si intreccerà alla batteria di Steve Gadd.

Ferrara in Jazz 2019 – 2020

Ferrara In Jazz XXI edizione I Presentata la prima parte di stagione con ENRICO RAVA, BILL FRISELL, FABRIZIO BOSSO, CHRIS POTTER, URI CAINE e moltissimi altri...

Si dice spesso che la vita inizia a quarant’anni. Di certo il Jazz Club Ferrara - sulla scena dal 1977 senza alcuna interruzione - pare non sentirli, anzi, la maturità gli ha giovato conducendolo ad imporsi tra i più importanti jazz club europei, conseguendo prestigiosi riconoscimenti: dall’inclusione nella guida alle migliori jazz venues del globo stilata dall’internazionale DownBeat Magazine, al podio del Jazzit Awards nella categoria “Jazz club Italia” da sette anni a questa parte.

Centrodarte19 Seconda parte

Nuovi appuntamenti Centrodarte19 per un autunno denso di eventi imperdibili tra jazz, elettroacustica, opera multimediale

Dopo l'anteprima, salutata da un grande successo di pubblico, con il concerto dei Four Blokes di Louis Moholo-Moholo, si prepara un fittissimo autunno per Centrodarte19: ben quattordici serate si svolgeranno da qui a fine dicembre, offrendo una gamma di occasioni d’ascolto mai come quest’anno fitta di proposte, che vanno dal jazz alla musica strumentale/elettroacustica, alla performance solistica, all’opera multimediale.

AI CONFINI TRA SARDEGNA E JAZZ

XXXIV edizione

Sant’Anna Arresi

Masainas

San Giovanni Suergiu

30 agosto – 08 settembre 2019

THE NEW SOUND OF PORGY AND BESS

programma e informazioni qui

Vesper and Silence

Roberto Bonati

Parma Frontiere

di Giuseppe Mavilla

“Molti anni fa un amico mi invitò ad ascoltare una registrazione in cui suonavano due bassisti, Jimmy Garisson e Reggie Workman. Il brano era India di John Coltrane. Da quel momento, dopo aver ascoltato quella musica ed essere entrato in contatto con quel suono, ho deciso che avrei suonato il contrabbasso”

Si esprime così il contrabbassista Roberto Bonati in un breve estratto dalle note di presentazione del suo ultimo album Vesper and Silence inciso per l'etichetta Parma Frontiere. Dopo varie esperienze con orchestre e più o meno piccoli ensemble (di lui ho già scritto in questo blog recensendo il suo Heureux Comme Avec Une Femme, inciso con la cantante Diana Torto nel 2014,  potete leggerne qui la recensione) Bonati confeziona un album registrato dal vivo in una location quasi magica: l'Abbazia di Valserena, magnificamente adatta al layout espressivo del contrabbassista. Si tratta di una chiesa del XIII secolo, situata nella periferia nord di Parma dove il 20 luglio del 2017, davanti ad un pubblico attento, Bonati ha proposto i dodici brani che costituiscono la selezione musicale di questo cd. 

Il tutto attraverso un rapporto simbiotico con il suo contrabbasso e l'utilizzo di un linguaggio variegato che incorpora modalità espressive di vari generi musicali che danno l'esatta dimensione delle potenzialità sonore del contrabbasso e di quella che è, così come la definisce lo stesso musicista parmense, la sua reale anima musicale. 

L'apertura è con la title track, che mette in evidenza un approccio fisico con lo strumento, come un voler prenderne contatto, saggiandone le peculiarità più acerbe. Poi dopo una sorta di loop elettrico ecco elevarsi, nell'atmosfera intimamente rarefatta dell' Abbazia, una delicata melodia. Il musicista ha impugnato l'archetto, il suono sembra danzare negli ampi spazi e fra le arcate del tempio. La successiva “Morning On A Winter Shore” in continuità con la precedente ha umori improvvisativi, è incalzante, estrosa. La traccia n.4 “An Angel Game” ha un andamento classico prima che Bonati metta da parte l'archetto e ci presenti il suo contrabbasso jazz con “Mr on Hammer on”. Un brano dall'urgenza espressiva debordante che trasmuta in divenire nella lirica, fluida e ritmicamente sostenuta “October 13th” brano dalla struttura tipicamente jazz con esposizione del tema, improvvisazione e ripresa del tema. 

Poi è “Campane” a sorprendermi, un'apoteosi tra musicista e strumento tra svariate mutazioni di umori e ritmi, dall'etnico al jazz più avanzato. E come non citare la ricerca di timbri e suoni sperimentali di “Trumpeting and Dance” e così fino alla fine non si riesce a rimanere insensibili ad un'opera veramente riuscita e straordinariamente interessante.  

In definitiva questo lavoro di Roberto Bonati si colloca tra i migliori album fin qui prodotti, in europa ed oltre oceano, nel 2019. 

Epistrophy

Bill Frisell / Thomas Morgan

Ecm

di  Giuseppe Mavilla

Il chitarrista Bill Frisell ha coniugato nel tempo la sua espressività musicale in innumerevoli declinazioni cercando e trovando commistioni con vari generi ed oggi è certamente un'icona di grande riferimento per il jazz contemporaneo e non solo. In questi ultimi due anni il suo incontro con il giovane, ma ormai affermato contrabbassista, Thomas Morgan ci ha regalato due splendidi album, Small Town e questo Epistrofy, entrambi registrati dal vivo al Village Vanguard di New York nel marzo del 2016. Il primo uscito nel 2017, il secondo rilasciato in questo 2019 e di cui mi occupo qui di seguito.

Con una selezione di nove brani che mette insieme alcune ballads del pregiato songbook americano, noti standard del jazz, una perla dalla sua collaborazione con il batterista Paul Motian e la ripresa, come già era avvenuto in Small Town, di un brano tratto dalla colonna sonora della serie televisiva dedicata a James Bond, il duo Frisell / Morgan ci immettono in una dimensione intima e raffinata in cui ogni brano è cesellato con personalissima maestria e ricercatezza.

Episodi sonori che il linguaggio delicato e l'esposizione analitica di ogni parte scritta o improvvisata, a secondo dei casi, rendono esclusivi. Dall'iniziale, a dir poco deliziosa "All in Fun" del  1939 a firma Jerome Kern, alla conclusiva gemma "In the Wee Small Hours of the Morning", scritta da David Mann nel 1955 per Frank Sinatra, è tutto un susseguirsi di fraseggi lirici, di dialoghi compiacenti, di invenzioni inedite nate tra le note risapute di questi classici senza tempo. In tutto questo Frisell e Morgan sanno dove incrociarsi, dove affiancarsi, dove l'uno andrà a chiudere la frase dell'altro. 

Tra inflessioni jazz, sconfinamenti blues, spruzzate di tex-mex e melodie incorniciate, eccoli portare in trionfo il medley "Wildwood Flower / Save The Last Dance For Me" inaspettato e godibile; l'estasi soprannaturale di "Mumbo Jumbo" pescata nel repertorio del trio Paul Motion, Joe Lovan, Bill Frisell, dove si va oltre ogni canone di risaputa musicalità e si celebra la grandezza del grande batterista; l'ebrezza nostalgica dell'indomabile Bond in "You Only Live Twice" e il fascino senza tempo di un classico di Billy Strayhorn prima di finire imbrigliati nella fitta ragnatela ritmica della title track o scoprire di essere preda dell'avvolgente feeling di "Pannonica".  

Stone

Satoko Fujii

Libra

di Giuseppe Mavilla

C’è una musicista unica nel panorama musicale contemporaneo con una ampia visione del jazz che spesso travalica per invadere altri orizzonti espressivi. E’ la pianista Satoko Fujii, sicuramente prolifica più di quanto si possa immaginare, con le sue orchestra sparse in varie parti del mondo, i diversi gruppi di cui è parte, il sodalizio con Natsuki Tamura, suo compagno di vita e le collaborazioni più o meno durature con vari musicisti. Lo scorso anno ha superato ogni aspettativa realizzando un album al mese per dodici mesi e celebrando in questo modo i suoi sessantanni. 

Ad oggi la sua vena espressiva non mostra segni di cedimento se è vero che ha già pubblicato un nuovo album che, allo stesso modo della sua prima uscita del 2018, è un lavoro in totale solitudine. Questo recente Stone è però totalmente diverso dal solo dello scorso anno che evidenziava la vena lirica della pianista nipponica, è un album di ricerca, di approfondimento delle potenzialità espressive del pianoforte. Un gioco di invenzioni sonore, contaminando ogni parte dello strumento, generando un’ espressività che oltrepassa gli aspetti tradizionali e libera rumori ambientali e inusuali, magari attraverso l’uso di vari oggetti che nulla hanno a che vedere con uno strumento musicale.

E allora accade che, ad esempio, la sua mano destra lavori sulla tastiera e la sinistra si intrufoli fra le corde interne o viceversa. Si inizia con “Obsius” minimalista, scarna e un po’ spettrale, seguita da “Trachyte” un impulso ostinato come un pensiero fisso e minimi segni di presenze umane. All’improvviso una parentesi lirica “River Flow” che trascende la cruda e rumorosa realtà della successiva “Lava” rumore di tuoni  prima che giunga la magia dei tasti bianchi e neri. E allora è una festa, un diluvio di note, la materia è diventata arte. E ancora “Icy Wood” un feedback, una nota, un fraseggio, un suono dal cuore dello strumento, una melodia che prova a prendere vita e il pianoforte conquista la scena. Sarà così fino alla fine, tra suoni distorti, ritorni al minimalismo, rumori urbani e lampi di liricità.

Ed è la sua arte, l’arte di una musicista, Satoko Fujii, che non pone confini e limiti alla sua creatività, appassionata e determinata a ricercare ogni possibile soluzione esplorativa del suono, della composizione, dell’improvvisazione.

Rosa Parks Pure Love. An Oratorio of Seven Songs

Wadada Leo Smith

Tum

di  Giuseppe Mavilla

Ultimo recente lavoro per il trombettista Wadada Leo Smith pubblicato lo scorso febbraio in concomitanza con l'anniversario della nascita dell'eroina dei diritti civili americani, Rosa Parks, a cui questo album è profondamente ispirato. Un album che Smith ha voluto anche dedicare alla sua famiglia e in particolare alle sue otto figlie, per il supporto che gli assicurano nell'esercizio della sua arte. Un album con il quale ha voluto anche ricordare gli anni della Creative Construction Company, gruppo di cui è stato componente accanto ad Anthony Braxton e agli ormai defunti Leroy Jenkins e Steve McCall. 

Sette porzioni sonore che comprendono in totale ben 15 brani, sono la sostanza di un album variamente articolato dove Smith convoglia il jazz più avanzato, la musica classica, quella da camera e il canto lirico, nelle loro forme contemporanee, nonché il suo unico linguaggio espressivo Ankhrasmation qui codificato in vari panel. Per tutto ciò si attornia del Blue Trumpet Quartet dove lo troviamo al fianco di Ted Daniel, Hugh Ragin e Graham Haynes; di un batterista (Pheeroan akLaff); dell' elettronica (Hardedge); di tre vocalist: un' afro-americana (Karen Parks), un' asiatica (Min Xiao-Fen) e una latina (Carmina Escobar). E ancora di un quartetto d'archi (RedKoral Quartet) che ha suonato con lui per l'incisione di Ten Freedom Summers, con Shalini Vijayan e Mona Thian, violini; Andrew McIntosh, viola; Ashley Walters, violoncello). In più ad intervallare alcuni di questi brani ci sono i brevi estratti di “Composition 8D” di Anthony Braxton tratta da For Alto; il drum set “N.2” tratto da Air Time degli Air; “Keep On Trucking, Brother (A Message To Bruce)” tratto da Solo Concert di Leroy Jenkins ed “EP-1” dello stesso Wadada Leo Smith tratto da Creative Music -1. 

Un nutrito numero di musicisti per vari ambiti, quelli su cui l'album si muove, ad iniziare dalle songs di cui Smith ha scritto oltre la musica anche i testi, a parte in un caso dove è stato usato un testo della stessa Rosa Parks. “The Montgomery Bus Boycott – 381 Days of Fire” è la prima delle sette songs contenute nell'album ed è interpretata da Min Xiao-Fen, accompagnata dal Redkoral Quartet, con il quale l'interprete asiatica interagisce non solo con la sua sublime vocalità ma anche con la pipa, strumento musicale a corde cinese. Racconta, il testo, dei giorni della rivolta, quelli che seguirono a quel 1° dicembre del 1955, quando la Parks si rifiutò di cedere il suo posto a sedere ad un bianco sul Montgomery Bus in Alabama. 

L'album si apre con l'irruzione di fiati e batteria in un clima teso che lievita non poco nella successiva “Vision Dance 1: Resistance and Unity” dove il Redkoral Quartet ed il Blue Trumpet Quartet intrecciano i loro furori espressivi. L'ambient si dipana attraverso momenti di grande introspezione, quello creato dai vari brani interpretati dalle tre vocalist, e porzioni esclusivamente strumentali dove si susseguono scrittura e improvvisazione. Interpretazioni struggenti, attraverso il canto lirico, che toccano argomenti quali la conquista della libertà, l'esercizio della democrazia, il profondo rispetto per ogni essere umano; interludi sonori che si alternano alle interpretazioni vocali sintetizzando, in un'unica espressione musicale, varie forme espressive  all'interno un mosaico così magnificamente tracciato da risultare immenso ma meravigliosamente racchiuso, con razionalità e misura, in un'opera unica e irrinunciabile.

CENTRODARTE19

SATOKO FUJII & MYRA MELFORD

VENERDÌ 24 MAGGIO 2019 ORE 21.00 • SALA DEI GIGANTI AL LIVIANO, PADOVA • ESCLUSIVA NAZIONALE

di Giuseppe Mavilla 

Altro evento da non perdere a Padova per il prossimo venerdì 24 maggio 2019 quando, ancora a cura del Centro d'Arte degli Studenti dell'Università di Padova, alla Sala dei Giganti al Liviano arriveranno Satoko Fujii e Myra Melford due esponenti dell'avant jazz. In concerto in duo così come nel loro album registrato dal vivo al Maybech Studio di Berkeley in California il 14 settembre del 2007 e poi pubblicato nel 2009 dalla Libra Records.

Mi piace qui riproporvi la mia recensione dell'album che scrissi quell'anno per Il Giornale della Musica pubblicata sul numero 9 del settembre 2009.

Intervals II

Franco D'Andrea Octet

Parco della Musica

di Giuseppe Mavilla

ll Top Jazz 2018 ha eletto Franco D'Andrea musicista dell'anno premiando nel contempo Intervals I, inciso in ottetto, come migliore disco italiano dell'anno. Un verdetto che arricchisce il già cospicuo palmarès del pianista di Merano che ha di fatto collezionato, nell'ambito del riconoscimento assegnato annualmente dalla rivista Musica Jazz, ben 12 Top Jazz come miglior artista italiano, cinque per il migliore album e due per la migliore formazione. Riconoscimenti sicuramente strameritati dal nostro mentre lo scorso novembre , come già annunciato  al momento dell'uscita dell'album premiato, veniva pubblicato il secondo capitolo del progetto, ovvero, Intervals II. 

Se avete letto la recensione e se conoscete Intervals I saprete che in esso è contenuta la registrazione del concerto tenuto dall'ottetto al Parco della Musica di Roma il 21 marzo del 2017, mentre in questo secondo capitolo è inclusa la relativa sessione di prove svoltasi il pomeriggio dello stesso giorno. E' un'interessate scelta, quella fatta da D'Andrea, che intende così mostrare come cambia l'approccio ai brani e quindi le due performance in relazione agli ambient in cui si svolgono. E mi viene da evidenziare, in particolare, la variabilità delle dinamiche fra l'una e l'altra incisione. In Intervals I l'ottetto sembra viaggiare spedito senza guardarsi troppo intorno; in Intervals II D'Andrea e soci appaiono impegnati nell'approfondimento di quella sintesi esclusiva e riuscita fra passato e presente, fra guardarsi indietro e nello stesso tempo sporgersi verso il futuro  che è poi l'essenza della filosofia jazz del musicista di Merano. Due facce, in qualche modo diverse, della stessa medaglia ma egualmente interessanti ognuna per le peculiarità che la distinguono dall'altra. 

Rimandandovi a questo punto alla mia recensione di Intervals I, che potete leggere qui, in questo secondo capitolo ritroviamo naturalmente la stessa formazione, con D'Andrea affiancato da Andrea Ayassot ai sax alto e soprano; Daniele D'Agaro al clarinetto; Mauro Ottolini al trombone; Enrico Terragnoli alla chitarra; Aldo Mella al contrabbasso; Zeno De Rossi alla batteria e Luca Roccatagliati alle elettroniche. E ritroviamo il medesimo layout espressivo dell'ottetto, ultimo e recente traguardo di un percorso che D'Andrea svolge da anni forte della sua ampia cultura musicale e dell' inesauribile voglia di innovare il suo verbo jazz. 

Nel progetto Intervals il nostro è particolarmente concentrato sulle cosiddette aree intervallari ossia temi, frasi musicali, riff che diventano punti di partenza di un' improvvisazione collettiva e di un'interazione a cui prendono parte tutti i componenti dell'ottetto e in cui si mescolano sonorità timbriche di varia estrazione. E' un caleidoscopio sonoro ed espressivo inedito che si sviluppa in modo estemporaneo sia quando si eseguono brani dai temi già ben definiti come “Traditions n.2” e sia quando ci si imbatte nell'ostinazione ritmica di “Monodic”. Brani in cui tutto ha origine da brevi spunti o micro intuizioni che diventano punti di partenze di quelle improvvisazioni di cui scrivevo prima. Penso ad “Intervals 5” abrasiva e incalzante, alla frenetica “Intervals 6” ma anche a “Air Waves” una tavolozza sonora assolutamente imprevedibile nelle sue evoluzioni e nelle sue debordanti inflessioni. E ancora come non evidenziare la geniale e contaminata riproposizione di una delle perle del repertorio di Lenny Tristano, quella “Turkish Mambo” nota anche perché per inciderla, per la prima volta nella discografia jazz di quei tempi, siamo nel 1955, viene utilizzata la registrazione multitracce. 

Potrei dilungarmi ancora a descrivere altri episodi di questa produzione ma mi fermo qui per lasciarvi il piacere di scoprire da voi le magnificenze di “Intervals II” un’altra tappa del più recente progetto di Franco D’Andrea.

Crossroads 2019

XX Edizione

28 febbraio – 7 giugno 2019

comunicato stampa

Il giro del mondo in…100 giorni: quelli del festival Crossroads, che celebra la sua ventesima edizione con una cifra tonda e altisonante, coinvolgendo oltre 500 artisti in più di 70 concerti, sparsi su tutto il territorio dell’Emilia-Romagna. Un vero festival itinerante non solo nelle scelte artistiche ma anche nel continuo spostamento da un estremo all’altro della regione passando per oltre venti comuni. Dal 28 febbraio al 7 giugno, star e nuove leve del jazz, dellatin, delle contaminazioni etniche e delle più varie musiche improvvisate saranno on the road lungo le strade emiliano-romagnole. Simbolo altisonante degli incroci tra stili, culture e geografie è il duetto di pianoforti che riunisce due stelle come Stefano Bollani e il cubano Gonzalo Rubalcaba, che suoneranno assieme in prima assoluta a Piacenza (27 marzo, Teatro Municipale): una prima mondiale che è anche la loro unica data italiana.

Crossroads 2019 è organizzato come sempre da Jazz Network in collaborazione con l’Assessorato alla Cultura della Regione Emilia-Romagna e con il sostegno del Ministero per i Beni e le Attività Culturali e di numerose altre istituzioni.

Volverse

Rosa Brunello Y Los Fermentos

Cam Jazz

di  Giuseppe Mavilla

Mentre il nuovo album di Rosa Brunello Y Los Fermentos è  in uscita o forse è già uscito, dipende da quando leggete questa recensione, voglio comunque raccontarvi di questo Volverse, terzo album del gruppo della contrabbassista già apprezzata nell’ambito degli Omit Five di cui potete leggere qui e qui le relative mie recensioni. 

Questa è la terza opera per la musicista veneta, dopo i già apprezzati “Camarones A La Plancha”  e “Upright Tales” realizzati con formazioni diverse, il primo in quintetto, il secondo con Y Los Fermentos, gruppo  formato oggi da Alessandro Presti alla tromba; Luca Colussi alla batteria, Filippo Vignato al trombone e all'elettronica e dalla stessa Brunello al contrabbasso. 

Un album registrato dal vivo alla Casa del Jazz di Trieste nel febbraio del 2017 e pubblicato poco meno di un anno fa. Un album di modern jazz con una selezione musicale che alterna a composizioni dalla struttura legata alla tradizione  brani dall'articolazione variabile, con sonorità arricchite dalle manipolazioni elettroniche di Vignato. La leader è il fulcro ritmico di riferimento del gruppo, lo fa  con una presenza determinata ma non invadente che, accanto al drumming fantasioso, puntuale e raffinato di Colussi, completa una sezione ritmica di gran pregio. 

I due fiati della coppia Presti-Vignato celebrano innanzitutto l'essenza lirica dei temi, quattro dei quali a firma della Brunello ed uno ciascuno a firma  Vignato e  Colussi, per poi concedersi spazi improvvisativi, sempre pianificati nella struttura dei brani, alimentando così le dinamiche espressive del combo. 

Il tutto è riscontrabile in brani come “Christamas Tree” introdotto dal solo di Colussi e dai luminosi fraseggi della tromba di Presti; “Pina Bausch” ritmicamente sostenuto, con il riff borbottante di Vignato contrappuntato dalla tromba di Presti. Un brano che si sviluppa in una costante e variegata mutabilità di ambient e di ritmi. E poi la title track, rarefatta e minimalista nell’intro,  lievita velocemente d’intensità interattiva fino a formare un magma sonoro da cui, quasi magicamente, prende corpo un tema dai chiari influssi mediterranei che, intervallato da porzioni improvvisative, porta alla fine del brano. 

Gli applausi  del pubblico e la presentazione dei musicisti del gruppo, ad opera della stessa Brunello, chiudono un album di pregevole fattura che difficilmente vi stancherete di ascoltare.

Musical Prophet: The Expanded 1963 New York Studio Session

Eric Dolphy

Resonance

di  Giuseppe Mavilla

Non so quanti di voi conoscano Hale Smith, compositore classico, però per raccontarvi di questa pubblicazione di Eric Dolphy, sassofonista, clarinettista e flautista, occorre proprio iniziare da lui. Era l'aprile 1964, quando Dolphy si accingeva a partire per un tour europeo come parte del gruppo di Charles Mingus, decidendo di lasciare a Smith una valigetta dove insieme ad alcuni effetti personali erano conservati delle incisioni relative alle sessioni del 1963 al Music Makers Studio di New York. 

Dolphy, come molti di noi sanno, da quel tour non tornò più perché un malore, a Berlino, pose fine alla sua vita e privò la scena jazz di quei tempi di uno dei più grandi musicisti mai esistiti. La valigetta  per mano di  Smith finì sotto la preziosa custodia del flautista James Newton e una parte di quei nastri registrati sotto la produzione di Alan Douglas, non facenti parte delle selezioni incluse negli album di Dolphy, Iron Man e Conversations, furono poi dati nel 2016 da Newton a Zev Feldman della Resonance Records, grande espolaratore e ricercatore di tesori musicali inediti perché dimenticati nei polverosi e crepati scaffali di studi di registrazione oramai dismessi. La conseguenza di questo passaggio da Newton a Feldman, di una parte dei nastri contenuti in quella famosa valigetta di Dolphy (ovvero le copie mono di quelle registrazioni) sono ora un triplo vinile uscito a Novembre e un cofanetto di tre cd edito lo scorso gennaio. Ad entrambe le edizioni si accompagna un prezioso libretto denso di foto ma anche di scritti  tra i quali quelli a firma di Newton, Feldman e ancora testimonianze dell'arte e delle virtù di strumentista di Dolphy, espresse da musicisti come Coltrane, Mingus, Coleman, Threadgill, Steve Coleman, Nicole Mitchell e tanti altri. 

Ma veniamo all'essenza vera e propria di quest'opera, ovvero alla selezione musicale in essa contenuta: tre cd per complessivi 19 brani di cui gli ultimi sette, quelli contenuti nel terzo cd, alternative takes di altrettanti brani distribuiti negli altri due. Ad accompagnare Dolphy all' alto sax, flauto e clarinetto basso, fior di musicisti come William "Prince" Lasha al flauto; Huey "Sonny" Simmons all’ alto sax, Clifford Jordan al sax soprano; Woody Shaw alla tromba; Garvin Bushell al fagotto; Bobby Hutcherson al vibrafono; Richard Davis e Eddie Kahn al contrabbasso; J.C. Moses e Charles Moffett alla batteria. 

La saga si apre con la festosa e danzante “Jitterbug Waltz” con in primo piano le evoluzioni flautistiche del nostro. Seguono la latineggiante “Music Matador” e l’accorata e solitaria preghiera d’amore di “Love Me” e ancora il duetto straripante con Davis,  in “Alone Togheter” nonché le struggenti note delle due parti inedite di “Muses for Richard Davis”. La febbre sale con la straripante “Iron Man” e i brividi sopraggiungono all’ascolto di “Come Sunday” ancora in duetto con   Davis. Nel secondo cd troviamo l’immensa “Burning Spear” altro esempio della grandezza di Dolphy e  la trascendenza sonora di  “Ode To Charlie Parker” una composizione di Jaki  Byard ancora in duetto. Il secondo cd si chiude con la bonus track “A Personal Statement” scritta da Bob James e registrata  nel marzo del 1964 che include il contributo vocale di David Schwartz.

Le sfaccettature della musica di Dolphy sono tante, come le innovazioni e le intuizioni che nella sua pur breve carriera ha saputo esprimere, lasciando nella storia del jazz un’impronta fondamentale per l’evoluzione di questo genere musicale. Quest’opera che Feldman e Newton hanno fortemente voluto ora è alla portata di tutti noi appassionati del jazz e credetemi è sicuramente irrinunciabile.

CENTRODARTE19

A poco più di un mese dalla conclusione della stagione 2018, il Centro d’Arte torna a proporre la sua rassegna di musiche nuove e nuovissime, un cartellone sempre ricco di occasioni di scoperta per orecchie curiose e irrequiete. La proposta del Centro d’Arte parte da una concezione unica, che da sempre si sottrae alla logica della semplice distribuzione, ma è piuttosto un invito rivolto al pubblico a partecipare e condividere la ricerca che i curatori conducono insieme agli artisti. Musiche diverse, che sfidano generi ed etichette, vengono proposte in nove serate – ma altre ne seguiranno dopo la pausa estiva – a illustrare i molteplici linguaggi della contemporaneità, dal jazz alla composizione, dall’improvvisazione alla ricerca elettroacustica.

Radicato in una storia che si intreccia fin dalle sue origini a quella dell’Università, ma anche della vita musicale di una Padova sempre aperta sulle più vivaci esperienze internazionali, il Centro d’Arte propone sempre progetti originali, intrecciando collaborazioni dentro e fuori la città, con festival e rassegne affini e strutture di produzione attrezzate come SaMPL: il laboratorio di eccellenza del Conservatorio per il trattamento e la diffusione del suono che trasforma l’Auditorium cittadino in una formidabile macchina del suono per esperienze d’ascolto immersive. Questo è specialmente il caso della rassegna di ‘aperitivi acusmatici’ RADIA, che corre parallela ai concerti e offre rari ascolti in una dimensione conviviale.

Nel 2019 il Centro d’Arte muoverà dalla splendida Sala dei Giganti all’atmosfera raccolta del Torresino e all’Auditorium Pollini un pubblico sempre più curioso e consapevole, che sta crescendo in misura incoraggiante, anche grazie a una politica volta a favorire la massima accessibilità, specie ai giovani.

Centrodarte19 si apre l’1 febbraio nella storica cornice, come è ormai tradizione, della Sala dei Giganti, dove il Centro d’Arte è di casa da sempre. In scena gli Heroic Enthusiasts, due artisti ben noti al pubblico di Padova, ovvero il pianista Craig Taborn e il percussionista Dave King (già col trio Bad Plus). Un duo inedito, al suo debutto in Italia proprio al Centro d’Arte, le cui trame si possono soltanto immaginare alla luce delle dense biografie di entrambi, e che sull’idioma jazz innestano visioni sonore di molti e diversi mondi.

Tutti i dettagli della stagione 2019 qui

I CAPOLAVORI DEL JAZZ IN VINILE

Dal 28 dicembre

IL SUONO CALDO E AUTENTICO DEI CAPOLAVORI DEL JAZZ VERVE RIVIVE IN UNA COLLANA DI VINILI 33 GIRI FEDELI AGLI ORIGINALI!

Dal 28 dicembre Hachette Fascicoli lancia la collezione

 “I CAPOLAVORI DEL JAZZ IN VINILE” 

disponibile in edicola e sul sito www.jazzinvinile.it

HACHETTE PROPONE UN’OPERA UNICA: 

LA COLLANA DI VINILI DA COLLEZIONE 33 GIRI, 180 G CHE RACCOGLIE LE VOCI E LA MUSICA DELLE LEGGENDE DI VERVE MUSIC GROUP

I Capolavori del Jazz in Vinile è un viaggio sorprendente nel genere musicale che ha rivoluzionato la storia della musica del Novecento. Una raccolta essenziale di capolavori rigorosamente in vinile dedicata agli amanti del jazz, ai collezionisti e agli appassionati dell’alta fedeltà.

IL GRANDE JAZZ DA ASCOLTARE... 

La tensione spirituale di John Coltrane nel suo album capolavoro, l’inarrivabile Summertime di Gershwin interpretato da Ella Fitzgerald e Louis Armstrong, il lirismo tormentato di Chet Baker a Parigi, le sperimentazioni armoniche dell’innovatore Gil Evans, il voluttuoso sound di Stan Getz, Dizzy Gillespie e lo spirito del be-bop, la regina del blues Billie Holiday…

Secondo Solitario

 Alessandro Fedrigo

nusica.org

di Giuseppe Mavilla

E' sul finire del 2011 che prende corpo un'idea di Alessandro Fedrigo, bassista. che predilige la chitarra basso acustica. Si tratta di nusica.org, etichetta discografica che ad oggi ha prodotto quattordici album, un catalogo inaugurato proprio dallo stesso Fedrigo con un lavoro per solo basso acustico intitolato Solitario, album di cui potete leggere la recensione qui. A distanza di sette anni arriva Secondo Solitario, nuovo capitolo del progetto del musicista di Treviso, in cui il nostro prosegue la sua esperienza, anche qui in totale solitudine, con uno strumento a quattro corde. E' un Fedrigo in totale simbiosi con il suo strumento, una condizione esclusiva che gli consente di esprimersi nell'intimo dei suoi sentimenti. Ed ecco allora, dopo l'iniziale “Nel vuoto” tutto dedito ad un uso estremo del suo strumento, “Marziana” dedicato alla moglie e “Fetita” scritto per la figlia. Due temi delicati prima sussurrati poi esclamati e pulsati con eleganza e decisione il primo; zigzagando e danzando il secondo, con dentro in entrambi la consueta porzione improvvisativa incastonata a perfezione e mai ostentata più di tanto. Per questo, c'è spazio e opportunità nelle due tracce intitolate semplicemente “Improvvisazione n.4” e “Improvvisazione n.5”. Poi c'è la ripresa di “Hipersteps” scritta dall'amico Nicola Fazzini, compagno di avventure musicali e altro nume tutelare dell'etichetta nusica.org. Una composizione che riprende la sequenza accordiale della famosa “Giant Steps” di Coltrane, qui restituita da Fedrigo in una versione straordinariamente intensa, intrisa della purezza del suono acustico. E ancora “Futuritmi” brano dal riff rockeggiante, scritta per l'XY Quartet, altra espressione della coppia Fedrigo-Fazzini. In chiusura l'articolata e cangiante “Hans” e la ricercata “Due Lune” un pò minimalista nei ritmi ma sofisticata nell'armonia. Il tutto in un lavoro concepito con raro equilibrio nei toni, nei suoni, nei tempi di durata dei brani,  in una riuscita sintesi tra scrittura e improvvisazione.

La Stagione 2018 di musicaƒoscari

- ottobre dicembre 2018 -

comunicato stampa (estratto)

VENEZIA - In occasione dei 150 anni dalla fondazione, l’Università Ca’ Foscari Venezia presenta una nuova stagione concertistica per celebrare le diverse esperienze musicali che da anni prosperano all’interno dell’Ateneo caratterizzando la vita degli studenti, dei docenti e del pubblico cittadino sempre coinvolto nelle diverse iniziative. Tra queste l’Orchestra e il Coro attivi da oltre 40 anni, il Gruppo Vocale specializzato in polifonia rinascimentale e barocca, i Laboratori di sperimentazione musicale tra i quali spicca quello di improvvisazione e dai quali sono nati i gruppi studenteschi Elettrofoscari e Unive Ensemble, il Festival Jazz che dal 2013 propone un fitto cartellone di concerti e seminari che in una settimana vede esibirsi in diversi luoghi di Venezia altrettanti gruppi, musicisti internazionali e gruppi studenteschi, il tutto a partecipazione gratuita.

Per musicaƒoscari / stagione 2018 il cartellone si compone di due concerti jazz con ospiti internazionali, una nuova produzione affidata da Ca’ Foscari a giovani artisti emergenti, un evento interamente dedicato alla voce sia in termini musicali che filosofici e un concerto realizzato dagli studenti cafoscarini provenienti dai diversi seminari e Laboratori attivati quest’anno. 

Tutti i concerti si terranno all’Auditorium Santa Margherita e saranno ad ingresso gratuito fino ad esaurimento posti.

La stagione si apre sabato 14 ottobre alle ore 21.00 con The Bad Plus, il trio jazz statunitense formato da Reid Anderson al contrabasso, Orrin Evans al piano e Dave King alla batteria. 

Lunedì 12 novembre alle ore 21.00 sale sul palco Mary Halvorson Octet con Away With You.

Mary Halvorson Octet è composto da Mary Halvorson chitarra, Susan Alcorn pedal steel guitar, Dave Ballou tromba, Jon Irabagon sassofoni, Ingrid Laubrock sax, Jacob Garchik trombone, John Hebert contrabbasso, Tomas Fujiwara batteria.

Il programma completo su www.unive.it/pag/29635/