The Bleeding Edge

Parker / Lee / Evans

Psi Records 

Un trio esclusivo quello formato dal sassofonista Evan Parker, dalla violoncellista Okkyung Lee e dal trombettista Peter Evans, tre musicisti di diversa nazionalità ed estrazione culturale, tre diversi percorsi musicali accumunati da una comune tendenza alla sperimentazione. Il primo è un veterano che non ha bisogno di presentazioni, la seconda, di origine coreana, vive ormai da quasi dodici anni a New York e respira i fermenti multiculturali di quella metropoli e in questi anni ha collezionato frequentazioni con musicisti di grande levatura tra i quali: Laurie Anderson, Nels Cline, Vijay Iyer, Ikue Mori, Lawrence D. “Butch” Morris,  Wadada Leo Smith, Tyshawn Sorey e John Zorn. Di Evans sarete già a conoscenza se leggete questo blog per via delle recensioni di “Gost” album a suo nome e di “Electric Fruit” in trio con il batterista Weasel Walter e la chitarrista Mary Harvolson. Il contesto di questa incisione dal vivo, ripresa il 4 maggio del 2010  al St. Peter’s Church Whitstable, nel Regno Unito, è una performance all’insegna della totale improvvisazione: poco più di sessantotto minuti immortalati in undici brani, sei dei quali interpretati in trio e cinque in duo. Ne sono interpreti tre musicisti avvinghiati in un gioco di eloqui sonori imprevedibili che da luogo ad una fitta ragnatela di interazioni in cui i suoni dei tre strumenti sembrano confondersi e scambiarsi le rispettive identità timbriche originarie. Un flusso sonoro lacerante che sorprende per improvvisi ma brevi squarci armonici con il sax di Parker maestoso e disarmante spesso impegnato al fotofinish con la tromba di Evans, musicista esageratamente illimitato nelle sue invenzioni fiatistiche. Tra i due si inserisce in splendida simbiosi la violoncellista coreana e la performance scorre densa di sorprese e invenzioni. I tre si muovono in ambiti che travalicano equilibri standardizzati e mirano ad instaurare un dialogo che viaggia sulle coordinate dell’avanguardia dove nulla è già sentito. Ogni episodio ha una sua caratterizzazione e una sua esclusività, sia quando ad esserne protagonista è l’intero trio ma anche quando si opta per un dialogo a due. Tra questi ultimi particolarmente riusciti mi sono sembrati “Duo 3” con protagonisti Parker ed Evans e “Duo 4” con la Lee ed Evans. 

Giuseppe Mavilla

Snakeoil

Tim Berne

Ecm

Il sassofonista Tim Berne approda alla Ecm e da vita a questo album a fianco di tre musicisti con  i quali lo scorso anno è stato tra l’altro in tournée anche in Italia. Identificati come Los Totopos oggi Oscar Noriega, clarinetti; Ches Smith, batteria e Matt Mitchell, pianoforte si liberano di questo appellativo rimanendo comunque a fianco di Berne in quello che può essere definito l’album che segna una sorta di svolta nella produzione del musicista di Syracuse. L’approdo all’etichetta tedesca è certamente una tappa importante per qualunque musicista e Berne la caratterizza con una produzione per certi versi ragionata, riflessiva, composita e di certo non esente di quel furore improvvisativo, alla Berne, che molti di noi conoscono. Sei composizioni strutturate con raziocinio ed equilibrio che inglobano temi raffinati, riff accattivanti e parentesi cameristiche. Composizioni intrise di un alto grado di interplay, sui quali si ergono gli spunti inventivi in primo luogo del leader, sempre espressivo e travolgente, con le sue incursioni fiatistiche. Ma Berne non è il protagonista assoluto della produzione e non il solo a brillare: il quartetto infatti si mostra perfettamente equilibrato per concezione musicale, per capacità interpretative, per condivisione di forme musicale stupendamente architettate che evidenziano una progettualità partecipata di tutto il quartetto. Inoltre Mitchell, Smith e Noriega esibiscono nell’arco delle sei composizioni tutte le loro singolari peculiarità con il pianista capace di liberare ritmo propulsivo a fianco dei due fiati ma anche prezioso cesellatore di un fraseggio cangiante, magnificamente aderente agli ambiti che di volta in volta si susseguono. E poi Noriega magnifico escursionista di tortuosi fraseggi e di corpose interazioni con il sax di Berne e non tralasciando Smith magistralmente capace di dare il contributo più calzante in ogni frangente delle sei parti dell’opera. Un’ opera che si ricorderà nel futuro come una delle più rappresentative del jazz di questi anni.

Giuseppe Mavilla

  

Weight

Yoni Kretzmer 2Bass Quartet

OutNow Recordings

E’ un quartetto dalla ritmica corposa e dall’espressività viscerale. Un quartetto pianoless ma con due contrabbassisti: Sean Conly e Reuben Radding; a completarlo il batterista Mike Pride e il sassofonista israeliano Yoni Kretzmer leader del combo nonché uno degli ideatori e promotori dell’etichetta OutNow Recordings che ha pubblicato questo cd. Si viaggia su territori free percorsi dal quartetto con grande impeto con il sax del leader a condurre le danze inframmezzando brevi frasi tematiche a lunghe incursioni improvvisative: lirico, straziante, vorticoso e fluorescente, questo il layout fiatistico di Kretzmer a tratti intriso anche di spiritualità. La consistenza ritmica del quartetto  nella sua singolare configurazione è poi anche il tratto distintivo del combo non solo per la costante attività propulsiva ma anche per l’interplay, a volte esclusivo, fra i due contrabbassisti. L’irruenza dinamica del traccia iniziale “Number One” è il sentore di un aspetto certamente predominante nell’ambient dell’intera selezione, con il sax lasciato libero a dissipare i suoi umori free. Il riff dell’intro di “Giving Tree” si spegne invece molte presto lasciando campo libero ad un dialogo fitto, quasi ipnotico, condotto da Kretzmer mentre uno dei contrabbassisti usa l’archetto. Dopo le nebbie soffuse di “Smallone” arrivano le sonorità distorte del sax del leader in “Again and Again” ben presto acquietate in un finale che lascia delineare un blues. Il resto passa attraverso l’ambient totalmente free di “Number Three” e l’interludio di eguale stampo, contrassegnato da una brusca interruzione, di “Detail” intervallate da “A bit for Peace” brano dal tema velatamente free-bop.  C’è fantasia, energia e urgenza espressiva travolgente in questo “Weight”….. impossibile privarsene.

Giuseppe Mavilla

 

There’s Nothing Better To Do

Albert Beger

Gerry Hemingway 

OutNow Recordings

Il sassofonista israeliano Albert Beger e il batterista americano Gerry Hemingway non si erano mai trovati a suonare insieme prima dello scorso 28 novembre 2011. E’ accaduto al Levontin 7 di Tel Aviv   e quando sono saliti sul palco per iniziare il concerto nulla era stato concordato e la performance  si è svolta all’insegna di un’oralità prettamente free. Oggi quell’incontro è immortalato in un’altra delle recenti produzioni dell’etichetta Outnow Recording nata per iniziativa di tre musicisti israeliani: Il sassofonista Yoni Kretzmer e i chitarristi, Yair Yona e Ido Bukelman e di cui già vi ho raccontato in occasione della recensione del cd WatchingCartoons With Eddie di Roy Campbell ed Ehran Elisha edito dalla stessa etichetta. Questo del binomio Beger-Hemingway è un album dall’eloquio intenso già dalla prima traccia “Staying Alert” perché ai due protagonisti sono bastate poche battute per comprendersi e intavolare un dialogo fitto e ricco di inventiva ora dell’uno ora dell’altro nell’ambito di una costante relazione. Un Beger passionale, straripante dai risvolti lirici inaspettati e un Hemingway dal drumming fantasioso, elegante, scoppiettante quando è necessario, ma sempre stilisticamente raffinato e sorprendente. Con “Let go of your mind” la loro foga improvvisativa regala un riff ostinato su un’inedita armonia danzante dal sapore mediterraneo, mentre in “Butterflies” si inventano un intrigante gioco di suoni minimalisti in cui usano anche la voce e che liberano attraverso una ritmica sussurrata contrappuntata dai fraseggi al sax di Beger. Nella penultima “Missing You” invece è un solo tribale di Hemingway a occupare la lunga introduzione che precede l’incursione di Beger in un interplay serrato tra sax e batteria che sfocia nel finale in un viscerale e improvvisato blues.  Improvvisazione estemporanea che libera energia pulsante.

Giuseppe Mavilla

 

Natura Morta

Frantz Loriot

Sean Ali

Carlo Costa

Promnight Records

Gruppo e album portano lo stesso nome: Natura Morta; come gruppo sono un trio, Frantz Loriot, viola; Sean Ali, contrabbasso; Carlo Costa, batteria. Hanno base a Brooklin, New York dove il 27 gennaio di quest’anno hanno inciso un cd-r pubblicato lo scorso 15 marzo con quattro brani che loro definiscono “un’esplorazione di strutture musicali e di relazioni che scaturiscono da un’improvvisazione essenzialmente acustica”. E’ già chiaro da questo l’ambito in cui il trio si muove. D’altronde tutto ciò non può essere una sorpresa per chi conosce già il batterista romano Carlo Costa, da anni residente negli Stati Uniti o il violinista Frantz Loriot già componente il gruppo Baloni. In più se siete abituali frequentatori di questo blog avrete senz’altro letto le recensioni di Saturnismo del trio Minerva di cui è leader Costa e di Fremdenzimmer del trio Baloni di cui è invece componente Loriot è quindi avrete già un’idea dei percorsi musicali che amano intraprendere i nostri. In questo album però ci si spinge oltre l’immaginabile perché l’esplorazione compiuta dal trio esclude già a priori ogni ricorso a qualsiasi forma di estetica musicale per lasciare spazio ad un esercizio di ricerca e condivisione di suoni inusuali scambiabili, volontariamente o involontariamente, per rumori prodotti usando ogni strumento in modo altrettanto inusuale o ancora carpendo da questi, con metodi e tecniche di preparazione alternative degli stessi strumenti, sonorità esclusive  senza alcun utilizzo di apparecchiature elettroniche. Il tutto in una logica di assonanze di tonalità e ritmi da cui è impossibile prescindere. Il risultato è una sorta di suite  divisa in quattro parti che trasporta in un ambient dai colori grigio-metallo e dalle sonorità incredibilmente assimilabili ai rumori di una metropoli dei giorni nostri. La relazione instaurata dal trio è intensa per tutta la durata della suite, che supera di poco i trenta minuti nell’arco dei quattro brani, e alla fine ci si rende conto di trovarsi  ad ascoltare un’opera coraggiosa, estrema e che anticipa il futuro della musica creativa.

 Giuseppe Mavilla

 

Secondo Gradino

Quartetto Terrestre

nusica.org

 

La seconda produzione dell’etichetta nusica.org è già on line e vede impegnato l’inedito Quartetto Terrestre formato da Alessandro Fedrigo al basso acustico, Giancarlo Bianchetti alla chitarra acustica, Achille Succi ai clarinetti e Carlo Alberto Carnevali batteria e percussioni. Non mi soffermo sulla filosofia dell’etichetta per la quale vi rimando al sito della stessa che vi consiglio di visitare e concentro le mie osservazione su quella che io ritengo una delle più riuscite produzioni musicali fin qui ascoltate in questo 2012. I protagonisti operano su dieci composizioni originali scritte appositamente per l’ensemble da Alessandro Fedrigo che per la stessa etichetta ha già realizzato l’album Solitario, potete leggerne la recensione qui. Ci si ritrova così ad ascoltare  raffinate partiture che sembrano accostare l’espressività rarefatta della musica da camera ad una dialettica jazz. Sono composizioni caratterizzate  da quelle che l’autore chiama strutture intervallari: una successione di micro-episodi cangianti per dinamiche e ambient. Ne sono un esempio “Protone” dalle geometrie spigolose, dalle sonorità ricercate e dall’interazione nervosa oppure “Space Jazz Astro Bop” con le sue intersezioni bop e i veloci svolgimenti. E ancora “Il Cerchio” dalle linee melodiche sinuose e toccanti così ben tracciate da Succi al clarinetto. Ci sono poi composizioni dalle strutture più coerenti, seppure articolate,  come l’iniziale “Daltonica Notte” suggestiva ed eterea nell’intro, armoniosa nel suo divenire reale e definita. C’è una notevole attenzione all’estetica musicale in questo lavoro  così come un continuo riferirsi al jazz che trova sublimazione nei due brani “Sim Gun” e “Bipede” dedicate rispettivamente a Charles Mingus e a Charlie Parker. Fluida e snella la prima, struggente e nostalgica la seconda, intrisa di una melodia che contiene tutte le note della “Anthropology” del grande sassofonista. Chiude le selezioni “Il compositore compone” a metà tra classica e avanguardia. Un lavoro questo del Quartetto Terrestre frutto di un’attività di ricerca operata in primo luogo da Fedrigo in sede di composizione e poi da tutto il gruppo durante la realizzazione del progetto. Quattro musicisti la cui caratura tecnica ed  espressiva è già ampiamente nota e che in quest’ambito si mostrano particolarmente ispirati ed in ideale sinergia come ci si può rendere conto andando ad ascoltare tutti i brani sul sito nusica.org. Da lì è possibile eseguirne anche il download in modo assolutamente legale, leggerne le partiture ed acquistarne il cd. Tutto questo è nusica.org, una risorsa imprescindibile per la musica di qualità.

Giuseppe Mavilla




 

History of Jazz in Reverse

Fab Trio

Tum Records

 

 

Risalgono al 13 dicembre del 2005 le registrazioni degli otto brani contenuti in questo cd del Fab Trio composto da Billy Bang al violino, Joe Fonda al contrabbasso e Barry Altschul alla batteria. A distanza di sei anni queste incisioni sono diventate una produzione discografica ad opera della finlandese Tum che ne ha curato la pubblicazione sul finire dello scorso anno a circa sei mesi dalla morte dello stesso Bang. Una pubblicazione curata anche nella confezione con accluso un libretto che reca il ricordo degli amici Fonda e Altchul, le note di Bill Shoemaker e varie foto. Testimonianze di affetto e stima per il violonista sopravissuto alla guerra in Vietnam e alle inevitabili conseguenze psicologiche di una tale esperienza. Ma il soldato di fanteria, William Walker, questo il suo vero nome, non è riuscito ha combattere contro il male spietato che lo ha colpito negli anni seguenti a quella triste esperienza. Questo cd ci consente di riascoltarlo all’interno di un trio che celebra l’improvvisazione nella sua sfaccettatura più passionale e libera da ogni schema. I tre musicisti dialogono in perfetta sinergia regalando trame sonore in cui l’essenza interattiva viene sublimata dalle grandi capacità strumentali e interpretative che Bang, Fonda e Altchul sfoderano con grande partecipazione e rare doti stilistiche. Dall’articolato e dilungato “Homeward Bound” che apre le selezioni fino alla conclusiva “From The Waters of New Orleans” è un susseguirsi ininterrotto di episodi straordinaramente coinvolgenti densi di ritmo ma anche di liricità come l’omaggio in “Bea” alla signora Beatrice Rivers, moglie del sassofonista Sam Rivers a ricordo delle frequentazioni degli anni d’oro del free: poco più di cinque minuti di tenera introspenzione espressa con raffinata delicatezza da Bang al violino. E ancora l’inusuale ripresa della notissima “Chan Chan” del mai dimenticato Company Segundo e la composizione a sola firma di Bang “One for Don Cherry” dedicata ad al grande trobettista. Questi brani inframezzati alle composizioni estemporanee create da i tre cesellano I tratti una produzione altamente consigliata.

 Giuseppe Mavilla

Frog Leg Logic

Marty Ehrlich’s Rites Quartet

 Clean Feed Records

Il sassofonista Marty Ehrlich e il quartetto Rites, con James Zollar alla tromba, Hank Roberts al violoncello e Michael Sarin alla batteria. Una formazione identica per struttura a quella che il sassofonista Julius Hemphill impiegò per il suo Dogon A.D. vera pietra miliare della discografia jazz di tutti I tempi di recente ristampata e qui già recensita. Quella di Ehrlich è una produzione che brilla di luce propria e si scopre densa di essenze sonore on the road. Una produzione vissuta con pathos dall’intero quartetto per nulla in debito con il glorioso riferimento. Sette composizioni originali firmate dal sassofonista americano vero fulcro creativo del quartetto. Si inizia con il riff funky del brano che da il titolo al cd ben presto inglobato nelle geometrie free bop che il quartetto traccia con intenso vigore. Poi una struggente melodia introduce “Ballad” un blues viscerale e variegato nei ritmi. Si va avanti con le libere e cameristiche interazioni di “Walk Along The Way” e gli umori andini di “Solance” episodio di grande suggestione e di apertura verso orizzonti prettamente world con Ehlrich al flauto a dispensare fraseggi di rara raffinatezza e introspenzione in alternanza con la tromba di Zollar. La sezione ritmica con Roberts e Sarin completa il riuscito e variegato mosaico con il primo a raffozzare, quando impugna l’archetto, la sfaccettatura lirica e cameristica del combo e con il secondo ad imprimere un groove impetuoso agli episodi ritmicamente più incalzanti come la conclusiva “The Gravedigger’s Respite”.

Giuseppe Mavilla

Traditions and Clusters

Franco D’Andrea

El Gallo Rojo Records

Doppio cd dal vivo per il pianista Franco D’Andrea per documentare un intenso tour che lo scorso anno, quello del suo settantesimo compleanno, lo ha visto proporre il progetto in trio con Daniele D’Agaro, clarinetto e Mauro Ottolini, trombone e quello in quartetto con i fedelissimi Andrea Ayassot, sax, Aldo Mella, contrabbasso e Zeno De Rossi, batteria. Il trio, arricchito nei concerti dalla presenza del fantasioso batterista Han Bennink, per riproporre la tradizione attraverso un linguaggio attuale e senza rinunciare alle sonorità e alle dinamiche swing; il quartetto per proseguire il lavoro di sintesi di un linguaggio che ingloba modernità e avanguardia non tralasciando il passato. Il tutto si traduce in un equilibrio estetico che aiuta non poco a metabolizzare le intuizioni e l’acume jazz del musicista di Merano. Il titolo del lavoro suggerisce la probabile ricchezza del contenuto che si fa certezza già dalla prima traccia del cd n.1, una suite che include una esclusiva versione della “Turkish Mambo” di Lennie Tristano.  Poi l’oralità di “Cluster n.1-2-3” i primi con protagonista il quartetto e il terzo, un solo del leader. Il secondo cd cattura i due ensemble riuniti e la sintesi sonora è da apoteosi tra riproposizioni di composizioni del D’Andrea più recente come “Half The Fun” e le ulteriori riprese del brano di Tristano e della “Caravan” di Ellington.  

 Giuseppe Mavilla

Avenging Angel

Craig Taborn

Ecm Records

Per il pianista Craig Taborn, altra figura rilevante della scena jazz newyorkese, arriva l’appuntamento con una tappa quasi obbligata: il piano solo, e per di più con l’etichetta Ecm di di Manfred Eicher. Una registrazione tutta europea realizzata presso l’auditorio della radiotelevisione svizzera di Lugano con l’ingegnerizzazione del nostro Stefano Amerio. Taborn, da sempre abituato a cavalcare con evidente propensione i fermenti innovativi della scuola di Chicago, si vedano a tal proposito i suoi contributi alle produzioni di Roscoe Mitchell, nonchè gli umori avant della downtown, si mostra pronto a proporsi in totale solitudine. Le tredici tracce contenute nel cd spaziano tra i diversi orizzonti che costituiscono l’universo del piano solo. Il pianista infatti affronta con evidente scioltezza e capacità ambiti vari senza cedimenti di sorta riuscendo ad accostare l’oralità jazz ad una scrittura di stampo europeo.  E ancora: citazioni d’avanguardia e aree  di ampio respiro in cui spiccano frammenti di melodie che ricordano in qualche episodio  la sfera più intima del  Michael Nyman di alcuni anni fa e per finire anche episodi minimalisti alla Philip Glass. Un percorso variegato  di ricorrente intercambiabilità da metabolizzare ascolto dopo ascolto.

Giuseppe Mavilla

Double Demon

Starlicker

Delmark records

Questa degli Starlicker è una altra geniale intuizione di uno dei musicisti più prolifici di questi ultimi anni. Il trombettista Rob Mazurek ne ha infatti inventata un’altra delle sue: un trio tromba, vibrafono e batteria, quest’ultimi affidati rispettivamente alle gesta dell’onnipresente, quando si parla di vibrafono, Jason Adasiewicz e a quelle di John Herndon gia membri di altri ensemble insieme con Mazurek. Qui i temi sembreranno banali, quasi degli jingles dalla melodia semplice, a volte scontata, contrappuntati da una ritmica ossessionante che unisce vibrafono e batteria. E da qui si dipartono le parti improvvisate affidate a turno alla tromba e al vibrafono o all’intreccio degli stessi con l’incalzante drumming di Herndon che ben supporta i trasbordi all’unisono della tromba del leader. Suggestiva come sempre la timbrica del vibrafono che qui assume una connotazione intrisa di nudità sonora per la mancanza di un contrabbasso a supporto. Ascoltate la seconda traccia del cd “Vodou Cinque” dagli orizzonti indefiniti e dall’atmosfera a metà fra l’ipnotico e il trascendente o “Andromeda”, frenetica, urbana, ossessiva e infinita. E ancora la magmatica “Triple Hex” tra le cui fumogene elucubrazioni prende vita l’ennesimo riff della tromba di Mazurek. Vola in alto il trombettista a disegnare percorsi di libero girovagare nel pentagramma prima di ricomporsi nella consueta semplicità del riff iniziale. Sei tracce in tutto per poco meno di quaranta minuti intensi e col fiato alla gola.

Giuseppe Mavilla

 

Accelerando

Vijay Iyer Trio

Act Records

Il pianista indiano Vijay Iyer è da sempre uno dei musicisti più innovativi della scena jazz di Brooklyn. A lui si guarda come una fonte di energia vitale per lo sviluppo del jazz contemporaneo. Questa sua recente produzione per l’etichetta tedesca Act prosegue il lavoro intrapreso con l’ottimo Historicity del 2009 e fa seguito al validissimo Solo del 2010. L’elemento primario su cui Iyer concentra la sua ispirazione è il ritmo inteso come movimento, frenesia, danza, aspetti insostituibili nella vita di tutti i giorni. Non a caso nelle note di copertina il pianista così definisce il cd: "Questo album è il lignaggio della musica americana creativa basata su ritmi di danza." A coadiuvarlo in questa interpretazione moderna del classico piano trio troviamo Stephan Crump al contrabbasso e Marcus Gilmore alla batteria due musicisti che interpretano in maniera perfetta la filosofia di Iyer che mette insieme undici tracce tra originali e riproposizioni dimenandosi tra un’ossessione ritmica costantemente in crescendo e un esercizio armonico di raffinato impatto. Il trio esordisce con la snella “Bode” una sorta di genesi ritmica che preclude alle seguenti “Optimism” e “The Star Of a Story” in cui il ritmo prende forma quasi ipnotica in un continuo crescendo  spezzato solo da cellule di armonie a cui da alito oltre al pianoforte del leader il contrabbasso di Crump. Con la quarta traccia il pianista estrae dal suo magico cilindro una magistrale riproposizione di un hit del compianto Michael Jackson.  E’ “Human Nature” una autentica perla la cui armonia lirica e ritmica viene prima cesellata con minuziosa cura e successivamente decostruita e ricostruita tra mille micro variazioni. Poi Iyer pesca nel repertorio del grande e artisticamente introverso Henry Threadgill reinterpretando “Little Pocket Size“ restituita, pur nella esiguità strumentale di un trio, in tutta la sua complessità e caratterizzata da sonorità più nette e ricercate e una ritmica sempre e comunque in crescendo. Sono tre composizioni inedite del leader consumate in un ambient pulsante e fluorescente a precedere  l’ultima traccia la magistrale “The Village of Virgins” di Duke Ellington che mi catapulta dentro un ritmo gospel...... inebrio e goduria a chiusura di una produzione di disarmante bellezza.

 Giuseppe Mavilla

Screenplay

Cirinnà quartet

feat. Dino Rubino

Anaglyphos Records

Il mio primo contatto con il progetto Screenplay del sassofonista Rino Cirinnà è datato 23 febbraio 2012, data in cui il musicista ha presentato questo suo ultimo cd nell’ambito della rassegna in corso al MIllennium Club di Scicli.  Con lui c’erano Danilo Rubino al pianoforte, Tony Arco alla batteria e Lucio Terzano al contrabbasso, lo stesso quartetto che ha inciso questo cd.  Un quartetto stellare, in totale simbiosi, che condensa nel suo linguaggio tradizione e modernità per dare vita ad un’espressività jazz intrisa di raffinate geometrie interattive, di un cadenzato alternarsi di temi ed improvvisazione, di fraseggi a volte volutamente scomposti per inglobare i rivoli estrosi di un batterista dirompente come Tony Arco. Dirompenza attinente e variopinta oltre che spettacolare che mostra un musicista totalmente rapito dalle dinamiche esecutive. Un quartetto guidato con raffinato raziocino da un sassofonista sorprendentemente misurato e composto nel suo eloquio fiatistico ma certamente esaustivo del  bagaglio tecnico-jazzistico che evidenzia i suoi trascorsi oltreoceano e la sua profonda conoscenza della musica afroamericana. Il combo, come nella formazione live, include Lucio Terzano, al contrabbasso, stilisticamente ineccepibile e di grande sensibilità musicale, con un carnet di collaborazioni assolutamente prestigioso e  Dino Rubino, al pianoforte, oramai assorto al ruolo di musicista maturo e determinante in ogni ambito in cui viene coinvolto. Sette le tracce incluse nel cd, che confermano quanto di valido avevo già notato nell’esperienza dal vivo, tutte dalla struttura articolata in bilico fra hard bop, mainstream e modern jazz, tutte di elevata fattura,   con punte eccelse in “Big on Trio”  ricca di umori cangianti, in “Modaldino” impreziosita dall’intrigante riff che alimenta il dialogo tra pianoforte e sax  e in “Behind” tra echi di Evans e sfaccettature liriche.

Giuseppe Mavilla

Gente a Sud

Amanita

Zone di Musica

In botanica il termine amanita è riferito ad un genere di funghi dalla struttura eterogenea, potete approfondirne la tematica su questo link, ma da qualche mese Amanita è anche il nome di un  gruppo italiano, un trio del sud italia che non a caso ha  intitolato questo primo cd con l’identificativo Gente a Sud. I protagonisti sono Raoul Gagliardi, chitarra elettrica, Carlo Cimino, contrabbasso e Maurizio Mirabelli, batteria. Una combinazione dalla struttura standardizzata ma dalle sonorità accattivanti, certamente ben definite, che dispiegano colori solari e armonie facilmente assimilabili. Nove tracce confezionate con gusto ed equilibrio nel tentativo di esprimere una sfaccettatura jazz che in qualche modo si delinea nell’interplay che i tre riescono ad instaurare e negli intervalli lasciati all’estro dei singoli che risultano abilmente collocati nell’ambito delle strutture dei brani. Melodie circolari, ostinati dai ritmi danzabili, affidati all’espressività della chitarra elettrica di Gagliardi e contrappuntati dal costante e redditizio lavoro del contrabbassista Cimino. Lo strumento acustico acquista una identità esclusiva accostato alla sei corde elettrica e la formula risulta felice e azzeccata per l’intero trio che ha nel percussionismo puntuale di Mirabelli l’ottimale completamento del mosaico strumentale. Altro dato che caratterizza la cifra stilistica degli Amanita è il richiamo, o per meglio dire, la ripresa e quindi la riproposizione, di ritmi della cultura popolare del sud italia. Il trio riesce a fondere insieme moderne geometrie jazzistiche con ritmi etnici e l’ascolto dei brani risulta gradevole e fruibile senza troppo impegno. Ciò accade per tutte le nove tracce tra le quali mi piace segnalare la danzante “Brugal”, la suggestiva “Arance Rosse”, la pulsante “Gente a Sud” da cui prende il nome l’intero cd e l’originale versione di “Centro di Gravità Permanente” pescata nel soogbook di Franco Battiato e riproposta con gusto e attinenza all’intera produzione.

Giuseppe Mavilla

 

Novela

Tony Malaby

Arrangements by Kris Davis

Clean Feed

Il sassofonista Tony Malaby si concede una pausa compositiva e ripone attenzione ad alcuni brani del sue passate produzioni. Di queste ne sceglie sei affidandone la riscrittura degli arrangiamenti alla pianista Kris Davis. Nasce così questo Novela che il musicista originario dell’Arizona, oggi newyorkese d’adozione,  interpreta al soprano e al tenore con la stessa Davis al pianoforte, John Hollenback alla batteria e con una corposa sezione di fiati che vede affiancati: Michael Attias, sax alto; Andrew Hadro, sax baritono; Joachim Badenhorst, clarinetto basso; Ralph Alessi, tromba; Ben Gerstein, trombone. Sei riproposizioni che ridanno linfa nuova a brani già di per se di alta fattura. Ma quello che più colpisce in queste reinterpretazioni sono la varietà delle trame musicali, i continui mutamenti d’atmosfera e le strutture articolate dei brani che alternano momenti lirici caratterizzati  da interventi corali dei fiati, tensioni d’avanguardia, geometrie da big band e suggestivi ambient bandistici in varie occasioni sfaccettate da umori circensi. In tutto questo risalta in modo preponderante il lavoro svolto dai fiati il cui front-line è l’elemento caratterizzante l’intera produzione, opposto ai contrappunti vigorosi espressi dagli interventi al pianoforte della Davis che a giudicare dal risultato finale ha saputo assolvere in modo ottimale all’incarico affidatogli da Malaby. Questi, dal canto suo, da, ancora una volta, ampia dimostrazione della sua identità jazz nonché della variopinta gamma tonale del suo layout fiatistico: viscerale, intenso, dirompente e dialettico, qui  come non mai impegnato com’è a confrontarsi con un nutrito quintetto di fiati. Arduo descrivere a parole l’ampio mosaico architettato dalla Davis per questa rilettura dando atto anche del prezioso contributo ritmico e fantasioso che Hollenback si inventa in una circostanza che lo vede orfano di un contrabbassista. Un’opera assolutamente da ascoltare per l’immensa essenza jazz di cui è intrisa.

 Giuseppe Mavilla

Long Pair Bond

Sunna Gunnlaugs

Sunny Sky Records

Arriva dall’Islanda la pianista Sunna Gunnlaugs in trio con Þorgrímur Jónsson al contrabbasso e Scott McLemore alla batteria per una produzione in cui sembra voler ricapitolare quanto metabolizzato musicalmente in questi ultimi anni. Dalle esperienze in America nell’area newyorkese a un certo modo di concepire il jazz in Europa con riferimento privilegiato per il sound Ecm non dimenticando gli elementi propri della cultura musicale popolare della sua Islanda. Quello che ne viene fuori è una selezione di dieci brani dalle strutture preordinate e dalle sonorità raffinate contraddistinte da ritmiche mai incalzanti, tipicamente da ballad. Si apprezza il pianismo della Gunnlags dall’espressività pronunciata e dalle geometrie cangianti sempre dialogante con gli altri due componenti il trio in un interplay fitto e in perenne relazione con una sezione ritmica che sa costruire sequenze temporali intrise di una densa musicalità. Jónsson al contrabbasso si mostra in grado di tracciare fraseggi armonici piacevolmente articolati mentre McLemore sa ispessire con gusto e notevole sensibilità i passaggi più intensi dell’intera selezione.  Tutto scorre con fluidità alternando giochi di contrappunti e melodie dai risvolti struggenti in un ambient che a volte evidenzia una sfaccettatura tipicamente jazzistica altre volte delinea i contorni di partiture che potrebbero essere state composte a sostegno di ipotetiche sequenze filmiche. Numerosi gli episodi che meritano una citazione e che elevano il livello qualitativo dell’intera produzione a partire dalla iniziale title track, dal fraseggio elegante e cantabile, passando per la jazzistica “Crab Canon” e per la struggente "Fyrir Brynhildi" intrisa di umori folk e non dimenticando le sottili sfaccettature liriche delle successive “Safe from The World” e “Not What But How. Da gustare un po’ alla volta, ascolto dopo ascolto.

Giuseppe Mavilla

Saturnismo

Carlo Costa – Minerva

Between The Lines Records

 Appare intrisa di un’espressività indefinibile la musica di questo cd firmato dal batterista romano Carlo Costa, oramai da anni cittadino di Brooklyn, in New York. A rivelarlo sono già le prime note di Saturnismo produzione discografica realizzata con il trio Minerva che include il pianista JP Schlegelmilch e il contrabbassista Pascal Niggenkemper. Già dalla prima traccia, che prende il nome dal titolo dell’intero cd, si avverte l’intento del combo di non dileguarsi per vie usuali e così   il percorso si fa frastagliato tra cambi di tempo e climi, con accenni a possibili esercizi armonici o a improvvisi contorsioni dinamiche. Costa esprime un drumming elegante e fluido contrappuntando i fraseggi di Schlegelmilch al pianoforte e i sollazzi inventivi di Niggenkemper al contrabbasso. “Dream Machine” numerata come quarta traccia della selezione è ritmicamente meccanica, oscillante tra minimalismi e ostinati, il pianoforte traccia colori acquatici sul tappeto setoso liberato dall’archetto del contrabbasso; “Let’s  Go I Don’t Know” ci regala umori free bop mentre “Plateau” sembra tracciare un percorso luminoso in un pentagramma grigio. Poi arriva “Nocturnal Patterns” persa in un oscuro universo denso di frammenti sonori che si intersecano senza mai sovrapporsi, intervallate da pause silenziose o appena sussurrate. Si ricompone il tutto  negli ultimi tre episodi di cui segnalo in particolare “Moth” dalle dinamiche essenziali e dal lessico sofisticato pur aderente a un ambito caratterizzato da un’essenza di sobrietà che non viene mai meno e che sembra pervadere l’intero cd. Tre musicisti il cui linguaggio è certamente influenzato dai luoghi in cui essi operano tra mille stimoli e fermenti innovativi che in questa esperienza discografica sembrano voler filtrare attraverso una cultura musicale europea che Costa e Niggenkemper si portano dietro perché entrambi provenienti dal vecchio continente. Qui incontrano la caratura jazz a stelle e strisce di Schlegelmilch pianista che pur suonando jazz non ha mai rinunciato agli studi classici sullo strumento. Il mosaico che ne scaturisce brilla per originalità e per l’esclusiva identità e nel contempo affascina perché imbevuto di una costante attività di ricerca che i tre perseguono incondizionatamente. 

Giuseppe Mavilla
 

Watching Cartoons With Eddie

Ehran Elisha  
Roy Campbell

OutNow Recordings

La OutNow Recordings è una giovane etichetta discografica nata per l’impegno di tre musicisti israeliani: Il sassofonista Yoni Kretzmer e i chitarristi, Yair Yona e Ido Bukelman. Un’etichetta pensata per dare voce alla musica jazz improvvisata e d’avanguardia. Tra le prime incisioni che sono state immesse sul mercato discografico nell’ultimo trimestre del 2011 c’è questo eccellente album che affianca il batterista Ehran Elisha al più noto trombettista newyorkese Roy Campbell. Una registrazione datata ottobre 2008, realizzata a Brooklyn, NY, dal titolo singolare che rivela, ancor prima dell’ascolto, l’essenza dell’incisione. Guardando i cartoni con Eddie, questa la traduzione in italiano, è chiaramente ispirato al compianto batterista Ed Blackwell e ai suoi duetti con Don Cherry e Wadada Leo Smith nonché alla sua predilezione per cartoni animati che Elisha conosce bene per essere stato allievo proprio di Blackwell. L’apertura evidenzia un ambient di puro free bop giocato su un fitto interplay fra i due protagonisti con la tromba di Campbell fortemente espressiva intrisa di grande passionalità e con il drumming di Elisha intenso, fantasioso e grondante di musicalità. La terza traccia “For BD” dedicata al grande Bill Dixon è una delle parentesi più interessanti di tutto il cd, i due musicisti ricreano climi e sonorità molto vicine a quelle del grande maestro ma anche la struttura articolata del brano, la sua durata e il complesso layout che definisce, denotano la condivisione di  idee con Dixon. Le fasi successive del cd rivelano una sfaccettatura più scarna del linguaggio jazz del binomio Campbell-Elisha, le atmosfere si fanno più africaneggianti e tribali: la lunga “Aesthetic Encounters” (part.1) è ipnotica, sembra scandire le fasi di un rito propiziatorio mentre con “The Dizzy Roach” il duo rende omaggio al grande Gillespie. Gli ultimi due episodi rilasciano  tutto il potenziale free, denso di frenesia ritmica che pervade il duo,   accade in “Faith Offers Free Refills” , contrapposto a un momento di introspezione acquiescente, quale è “October”. Un album frutto di una collaborazione di due decadi tra Campbell ed Elisha che si colloca tra le produzioni più stimolanti di questi ultimi mesi e che, anche se ispirata a grandi musicisti di un recente passato, evidenzia un’identità propria e di assoluto valore.

Giuseppe Mavilla

Ehran Elisha & Roy Campbell - Watching Cartoons with Eddie (OutNow Recordings Sampler #1) by outnowrecordings

 

4 Stories

Matt Renzi 

Stefano Senni 

Jimmy Weinstein

El Gallo Rojo

In tre: Matt Renzi, sax, Stefano Senni, contrabbasso e Jimmy Weinstein, batteria, si sono ritrovati nello studio di registrazione di quest’ultimo, a Padova, il 12 ottobre 2010 per una session tra musicisti abituali frequentatori della scena jazz più creativa. Una session che non anticipava una relativa produzione discografica che invece a sorpresa oggi ci ritroviamo disponibile tutta improntata su un’oralità estemporanea tra musicisti che trovano un ispirato interplay in quella che di fatto è un’articolata suite divisa in quattro parti. E’ Renzi a tracciare le coordinate di un percorso espressivo variegato in cui il suo sax assume toni e dinamiche cangianti sempre contraddistinte da un’intensità di fondo che lascia trasparire, a tratti, una liricità suadente e passionale a cui si contrappone in altri momenti una visceralità nervosa. Questi elementi attraggono in primo luogo i due suoi compagni di viaggio, Senni e Weinstein, che convergono il loro apporto sintonizzandosi sulla stessa lunghezza d’onda del sassofonista. E’ cosi che il combo appare sin dalla prima traccia “First Story” che si consuma proprio con il definirsi di questa sinergia e ciò si avverte con chiarezza nella parte centrale del brano quando l’intreccio delle tre componenti strumentali si mostra magnificamente bilanciato e armonizzato. In “Second Story” l’ambient si fa ipnotico, i fraseggi sinuosi del clarinetto, che Renzi alterna al sax tenore, sono contrappuntati da una sezione ritmica per nulla ammaliata dalle inflessioni conturbanti dello strumento a fiato; c’è un’ interazione  iperattiva mista a fantasia, da parte del duo, da cui prende vita successivamente un ostinato di contrabbasso e un solo di Senni. La seguente “Third Story” esordisce con un tema danzante intriso di una velatura etnica che via via lascia il posto ad una improvvisazione sempre più densa di ritmiche ostinate con parentesi rarefatte in cui si definiscono dialoghi a due  che riportano in primo piano le tendenze avanguardistiche dei tre protagonisti forse qui un po’ intimorite dall’ architettura totalmente estemporanea della performance. Ed è in questo contesto, così come nella quarta ed ultima traccia, che sopravviene una qualche ripetitività di frangenti già dipanati nelle tracce precedenti. Aspetti quest’ultimi certamente inevitabili, quando tutto nasce in modo spontaneo e in relazione ad un evento improvvisato, e che, comunque, non sminuiscono la bontà delle 4 Stories narrate. 

Giuseppe Mavilla

ascolta i sampler qui

Solitario

Alessandro Fedrigo

nusica.org

L’etichetta nusica.org è una nuova realtà del panorama musicale italiano che nasce con obiettivi alternativi. Visitando il relativo sito si ha un’idea ben precisa di quella che è una sorta di mission prefissata dalle varie attività e che nei fatti è poi il vero scopo per il quale l’idea ha preso consistenza. Uno dei primi obiettivi è condividere e diffondere sulla rete le produzioni discografiche (disponibili comunque anche per l’acquisto in formato cd) dei vari musicisti che scelgono di operare secondo questi dettami. Così è accaduto per la produzione n.1  dal  titolo Solitario firmata dal bassista  Alessandro Fedrigo. Dodici brani per basso acustico incisi e resi liberamente disponibili per l'ascolto e per il download dalla rete, in formato compresso, sul sito dell’etichetta. Un vero e proprio studio approfondito, come precisa lo stesso autore nelle note di promozione, sugli aspetti polifonici della chitarra basso acustica senza tasti. Dei dodici brani vengono resi fruibili su un apposito link , le relative partiture nonché l’analisi dei pezzi. Il lavoro è schematicamente divisibile in tre ambiti diversi infatti ci troviamo di fronte a cinque composizioni originali firmati da Fedrigo ai quali si aggiungono le personalissime interpretazioni di quattro arcinoti standard jazz nonché tre libere improvvisazioni. L’ascolto dei dodici episodi è un’esperienza assolutamente gradevole, Fedrigo libera dalla sua chitarra basso fraseggi lirici e contrappunti ritmici che  ridisegnano una tavolozza sonora dalle innumerevoli colorazioni tonali. Un sound intrigante godibile per i suoi raffinati risvolti armonici restituiti con originalità e senza inutili ostentazioni virtuosistiche. Molti i momenti intensi e i passaggi struggenti durante l’ascolto della selezione dei dodici brani inclusi nel progetto: come non evidenziare, ad esempio, la riuscita riproposizione di “Autumn Leaves” con l’analitica esposizione del tema, le alternate pause soffuse, le riprese scandite con la dovuta prontezza, le parentesi improvvisate, i brevi riff mai ostinati oltre il dovuto; e come non percepire l’alone malinconico della stagione autunnale nel delicato tema della successiva “Novembre”; c’è poi l’aspetto minimalista della poetica di Fedrigo riscontrabile ad esempio in “Improvvisazione n.1” dove il musicista opera in totale simbiosi con lo strumento; impressiona anche la sua capacità di articolare in un unico brano gli episodi cangianti di un brano come  “Acquaforte”. In questi ricorrenti ambiti si sviluppa l’intero cd che ci rivela un musicista di grande sensibilità espressiva. Un cd che inaugura con i migliori auspici l’attività dell’etichetta nusica.org, un progetto di notevole spessore culturale è artistico fortemente innovativo e di grande aiuto per la diffusione della musica di qualità.

Giuseppe Mavilla

Urban Fabula

Seby Burgio
Alberto Fidone
Peppe Tringali

Abeat Records

 

Un trio tutto siciliano quello che ha realizzato questo godibilissimo Urban Fabula: Seby Burgio al pianoforte, Alberto Fidone al contrabasso e Peppe Tringali alla batteria. Tre  musicisti che uniscono capacità strumentali ad una attitudine alla scrittura semplice ma articolata che da luogo a una manciata di composizioni che definiscono uno standard qualitativo veramente apprezzabile. Otto le composizioni originali, cinque scritte insieme dal trio, una in solitudine per ognuno dei tre. Completano la selezione due standard immortali per la storia del jazz: “Round Midnight” e “On Green Dolphin Street” di cui forse, a mio parere, si sarebbe potuto fare a meno vista il livello qualitativo delle composizioni originali e tenuto conto che si tratta di due standard già ampiamente ripresi.  In definitiva i dieci titoli tracciano un percorso variegato in cui risalta l’urgenza espressiva di Seby Bugio, pianista dotato di una tecnica superlativa, fulmineo nel tracciare geometrie vorticose sulla tastiera. Ma i suoi interventi in tutto il disco non sono solo dirompenti,  lui sa disegnare delicate melodie come in “Someday my prince will chat” cesellare contrappunti inappuntabili con il suo pianismo ricco di forza espressiva e frenesia. E’ una gran bella scoperta per chi come me non lo conosceva, tanto quanto Alberto Fidone contrabbassista elegante e discreto che ama usare l’archetto nei tratti più lirici di alcuni brani ma anche in altri ambiti come accade in “La Marcia dell’ultimo Moschettiere”. La sua cifra stilistica è pregevole per un’innata compostezza e relazione costante con il resto del trio. Equilibrato e puntuale con il suo drumming, Peppe Tringali completa il trio con un incedere brioso e un pizzico di fluorescenza grazie all’ampio uso dei piatti, ascoltatelo nell’intro di “Albori all’imbrunire”. Il trio predilige gli scatti brucianti, i cambi di ritmo, le brevi riflessioni, i temi sottilmente cantabili e non disdegna gli ostinati; gli otto brani originali sono un campionario di questi elementi, un hard bop europeo che oscilla fra tradizione e contemporaneità.

 Giuseppe Mavilla

Trés Cabeças Loucuras

São Paulo Underground

Cuneiform Records

Per nostra fortuna l’iperattività musicale di Rob Mazurek ha prodotto, almeno fino ad ora,  lavori di indubbia validità, vuoi per l’eclettismo che contraddistingue il trombettista e i musicisti che di volta in volta lo affiancano, vuoi per la capacità di proporsi in contesti sicuramente originali. Questo di cui ci occupiamo oggi è un’altra ventata di frizzante musicalità che si aggiunge, a quella espressa con il magnifico Calma Gente e come quest’ultimo nasce in quella che può definirsi la seconda patria per questo trombettista ovvero il Brasile. Ed è proprio con musicisti brasiliani, i São Paulo Underground, di cui lo stesso Mazurek è componente,  che è stato inciso l’album: Mauricio Takara,cavaquinho, batteria, percussioni, elettronica, voce; Guilherme Granado,  tastiere, loops, samplers, percussioni, voce; Richard Ribeiro, voce, batteria. A loro vanno aggiunti: Kiko Dinucci,  chitarra, voce; Jason Adasiewicz, vibrafono; John Herndon, batteria; Matthew Lux, basso. Gli ultimi tre presenti solo in alcuni brani, il loro coinvolgimento è il trait d’union con quanto viene prodotto da Mazurek a Chicago. Il cd appare percorso da una incalzante frenesia ritmica, Mazurek e l’entourage brasiliano definiscono un layout che unisce ritmo ed elettronica a  cui si aggiungono riff accattivanti di immediata assimilazione. All’ascolto si materializzano echi del grande Sun Ra e si rafforza la certezza che la costante attività di ricerca del trombettista chicagoiano unita ad una vena creativa esclusiva ne fanno uno dei paladini più interessanti del nuovo jazz. Ed ecco che all’ascolto fluiscono una dopo l’altra le accattivanti armonie ritmiche di “Jagoda’s Dream” e “Carambola”; le conturbanti atmosfere di “Colibri”; le ruvide sonorità di “Pigeon”; gli schiamazzi ritmici di “Just Lovin”. C’è un ampio uso di strumenti elettronici, di vocalità filtrate. La cornetta di Mazurek è protagonista in ogni ambito, ostinata nei riff, ma sempre illuminata da una singolare identità identificativa. Nel finale il combo decide di mettere da parte un po’ delle diavolerie elettroniche fin qui impiegate per dare spazio al vibrafono di Adasiewicz, alla batteria di Herndon e al basso elettrico di Lux ridefinendo  così un sound più americano con “Six Six Eight” e ribadendo che non si dorme sugli allori nemmeno nell’ambito dei  trentotto minuti e più di Trés Cabeças Loucuras.

Giuseppe Mavilla

The Throes

Nate Wooley + Taylor Ho Bynum


Cimp Records

Due trombettisti: Nate Wooley e Taylor Ho Bynum, quest’ultimo alla cornetta, sono i titolari di questo cd realizzato in quartetto con una sezione ritmica tra le meglio assortite: Ken Filiano, contrabbasso e Thomas Fujiwara batteria. Post bop, nello svolgersi delle dieci tracce di cui si compone l’opera, più volte trasmutante in free bop, un groove urbano da metropoli africana e una vocalità variegata, espressiva della personalità dei due protagonisti ai fiati. Entrambi prestigiosi, vincenti già nelle loro private produzioni, prolifici e aperti a linguaggi a volte anche esasperati, in prima linea nell’assegnare alle loro trombe ruoli portanti e ambiziosi senza dover ricorrere a scontate emulazioni. Wooley ama le ariosità definite nei suoi fraseggi ma non disdegna esagerare  con azzardi timbrici; Ho Bynum colleziona sonorità strascicate e ironiche, la sua cornetta a volte scoppietta a mo’ di pernacchia ma l’estro è grande e la visione, di un jazz d’avanguardia, immensa. Le sue frequentazioni dell’entourage di Braxton sono state fondamentali e hanno lasciato il segno. Se a due musicisti così fatti affianchi la sezione ritmica sopra descritta hai fatto centro: Ken Filiano ha mille frecce al suo arco, e la frase fatta mai come in questo caso è adeguata, dal suo contrabbasso promuove ritmo propulsivo ma quando impugna l’archetto denuncia i suoi trascorsi con il mastro Dixon ed eleva la scrittura e l’improvvisazione a livelli  eccelsi. E che dire di Thomas Fujiwara raffinato batterista di cui ho già scritto a proposito del suo Actionspeak i dettagli del suo drumming incantano. Varia l’entità della sua presenza sulla scena con grande sensibilità musicale. Basta ascoltare “Narrows”, una delle perle di quest’opera, per meravigliarsi dell’ingegno jazzistico dei quattro: ambiti cameristici e dialoghi free tra i due fiati, una sorta di narrazione sonora e interattiva dai mille intrecci. E poi “Ish” che inizia quasi fosse una nenia con i due fiati in corale e poi evolve inaspettatamente in una dirompente e frenetica improvvisazione. E come non citare i quattro duetti i cui ogni protagonista si produce a turno in un interplay esclusivo  con gli altri tre: totale libertà e piacevoli intuizioni.

 Giuseppe Mavilla

Winter Sun Crying

Composer in Dialogue

William Parker & ICI Ensemble

Neos Jazz

Muffathale di Monaco, 20 dicembre 2009 è in scena il progetto Winter Sun Crying composizione in dialogo tra un insieme di musicisti dell’avanguardia jazz. Protagonisti : William Parker, contrabbassista newyorkese, esponente di spicco della downtown e l’ICI Ensemble formazione europea che opera dal 1999 da sempre orientata alla stretta collaborazione con musicisti di primo piano nell’ambito dell’improvvisazione jazz. Quindici brani nella descrizione riportata sul retro della copertina per quella che di fatto è una suite di ben 62 minuti e 56 secondi interpretata da una band di 10 musicisti che comprende oltre al già citato Parker (double-bass, piccolo, trumpet, shakuhachi, double reeds) i teutonici: David Jager, soprano & tenor saxophones; Roger Jannotta, alto saxophone, piccolo, flute, clarinet; Markus Heinze, baritone & tenor saxophones; Christofer Varner, trombone, sampler; Martin Wolfrum, piano; Johanna Varner, cello; Gunnar Geisse, laptop & laptop guitar; Georg Janker, double-bass e Sunk Poschi, drums. L’ascolto del cd è come un viaggio attraverso una galassia di suoni e interazioni assolutamente incantevoli. Un continuo sorprendersi per come questi musicisti riescono ad interagire creando dialoghi dalle varie sfaccettature timbriche.  Un avvicendamento di climi e atmosfere che non ti aspetti. Un susseguirsi di attività vulcanicamente in ebollizione, luci e colori mutanti, percorsi labirintici apparentemente senza sbocchi che assumono traiettorie imprevedibili in un’incessante fluidità temporale e dialettica senza alcuna ripetitività. Si intravede dietro tutto ciò una sorta di intelaiatura di fondo un’accennata progettualità da svolgere in una condizione di un’assoluta oralità. L’improvvisazione è il sale essenziale di un’opera certamente unica che si aggiunge al carnet delle collaborazioni già attuate dall’ICI Ensemble con musicisti quali  Vinko Globokar, Giancarlo Schiaffini, Pierre Fabre, George E. Lewis ed Evan Parker, solo alcuni dei tanti, i più noti. Un’opera che definisce il potenziale espressivo e la sintesi che può derivare dalla collaborazione di musicisti europei ed esponenti dell’avanguardia d’oltreoceano. Da ascoltare e riascoltare fino a superare un apparente aspetto ostico che un primo approccio potrebbe falsamente evidenziare. Imperdibile.

 Giuseppe Mavilla